【白立方之內】（Inside the White Cube）是藝術家陳逸堅繼【築】（Wunderkammer，臺北市立美術館，2010）、【雕塑基座】（關渡美術館，2015）、【斯金納箱】（關渡美術館，2016）後，再次以美術館本身的「白立方」空間為議題的創作終篇。

本次展名援引自1976年經典《Inside the White Cube: The Ideology of the Gallery Space》(註1)一書書名，作者奧多堤(Brian O' Doherty)對代表畫廊與機構所謂封閉價值藝術體系的「白立方」空間，其歷史、社會、經濟、美學與意識形態，提出精闢剖析與評論，至今依然發人深省。他認為，畫廊空間的「白立方」——純白牆面、潔淨地板、人造光源、隱藏電源、均質空間，並不是一個展示作品的「中立容器」，而是一個由西方架上繪畫（easel painting）平面演變而來，深具「意識形態」的美學技術——透過「白立方」的空間範式，透過「去脈絡化」（decontextualization） 與「神性化」（sacralization）與現實隔絕，將藝術品孤立成絕對美感與相對價值不容被返轉置換的「聖物」。

直接針對「白立方」的反動可以追溯至克萊茵（Yves Klein）的〈空的展間〉（The Void，1958）與阿曼（Arman）的〈滿的展間〉（Full Up，1960），兩者都將展間提升為展覽的議題。60年代末起，以低限與地景藝術為首的所謂「擴展場域中的雕塑」，背棄展間「移位」（Ex-situ）至更廣泛替代領域；另一方面，代表「原位」（In-Situ）的「機構批判」（Institution Critique），結合觀念藝術，選擇關注藝術現實，以展覽體制的框架為基地進行評論。縱橫70年代的貝瑞（Robert Barry）、哈克（Hans Haacke）和艾許（Michael Asher）等藝術家，更進一步大膽地將藝術體系脈絡（contexture）翻轉成展覽內容（content），來對抗藝術機構對藝術的收編與商業交換。

延續在「美術館中的反思」這樣的歷史脈絡與語境，【白立方之內】可以視為以展覽本身為內容大做文章的「後設」展覽，藝術家選擇形式主義的方法，直接分解重組「展牆」、「畫框」、「基座」等支撐作品的美學形式與結構，希望重啟對展覽形式與展示本質的對話。透過「脈絡即作品」（context as content），介入當下的「現實」（展覽場域），重組作者、作品、公眾與機構的直接關係。於此，藝術家無意揭示機構運作的政治、商業、學術等權力系統，或將機構視為封閉的系統再刻意破除它，因80年代以來，「機構批判」的論述早已為機構吸納收編為「機構美學」，90年代以來的「關係美學」，更已將「社會脈絡」變成「機構內容」，這讓人聯想起藝術家倪再沁〈凍蒜．凍未條〉的行為藝術(註2)，機構不再是爭議焦點，而是解答與終點。藝術家在機構授意、甚至鼓勵下，藉由「藝術姿態」拓展展覽場域的藝術類型，在與機構的「共謀」中保持清醒、重新出發，在「共生」中相互消費、相互取暖，並透過對展覽體系的「戲仿」（parody），以藝術家的身分對機構場域提出問題與辯證，試圖理出進一步的共存活或共沈淪的依附關係。

註：
1. 布萊恩．奧多堤，《在白立方之內——美術館空間的意識形態》，加州大學出版社，1999。
2. 出自【媒體大哼—倪再沁特展】（台北當代藝術館，2010）

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