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1認識 樂派及其名家
華麗的巴洛克饗宴
巴洛克時期（1600~1750）
巴洛克「Baroque」的原意，本來是葡萄牙文「形狀不規則的珍珠」，這是當時保守派人士對新藝術風格的指稱，原本含有輕蔑、戲謔的含意。但久而久之，「巴洛克」成為十七世紀到十八世紀中葉歐洲藝術文化的代名詞。在美術與建築的領域上，巴洛克時期展現的是裝飾華麗、雕刻繁複、充滿對比性的效果；而在音樂史上，巴洛克代表作曲家們的作品特色也有相似之處，他們的作品規模宏大、情感表現沉穩，注重輝煌、華麗與對稱性的表現。
韋瓦第、巴哈與韓德爾可說是巴洛克時期的「三巨頭」，這三位作曲家的作品讓「巴洛克風格」延燒了整個歐洲，在不停的發展和演變中，確立了時代特徵：
1. 旋律：樂句簡短好唱，大多以四小節或八小節為一個樂句，編寫
樂曲時常常應用了「對位」的方法，音符與音符彼此有規律的對
應，曲調簡明但變化豐富。除此之外，強弱的鮮明對比也是一大
特色。
當時技巧純熟的音樂家也常以即興演奏來為樂曲做豐富的裝飾，
在即興的應用上，曲調與主題都能有充滿驚喜的變化與表現，即
興技巧是巴洛克時期音樂在音樂史上的一大特徵。
2. 和聲：對位法的技巧也應用於和聲上，而「數字低音」則是一種
新和聲的觀念，經常應用在早期歌劇的朗誦和抒情調中。作曲者
在低音部標寫數字符號，這個數字是一種和弦的代碼，由大提琴
或大鍵琴來彈奏數字低音之和弦，使得主旋律與低音部組織起曲
子的主要架構。
3. 節奏：節奏與速度變化簡明一致，全曲由一個單純容易辨識的節
奏律動來引領，產生穩定和諧的音樂特色。
4. 曲式：聲樂曲方面有歌劇、輕歌劇與神劇；器樂曲則有奏鳴曲、
組曲和協奏曲；應用對位法的曲式則是賦格曲，賦格使用於各種
樂器和合唱的作品中，各聲部的線條彼此獨立又融合交織，輪流
擔任主旋律的表現。
巴洛克時期的協奏曲是由獨奏樂器與管弦樂合奏的奏鳴曲，獨奏樂器與管弦樂群彼此有競爭、對比的效果，能突顯出獨奏者的技巧表現。
巴洛克時期的音樂注重的是對位與和諧，音樂家們用華麗而恢弘的規模來表現音樂崇高的效果，在情緒的表達上也充滿了戲劇張力，以嚴謹工整的手法清楚地傳達音樂家們的內心世界。
韋瓦第流傳古今的四季風情、集巴洛克創作技巧之大成的巴哈、還有融合了古老歐洲作曲技巧與新英國風味的韓德爾，在這三位代表性作曲家的音樂中，我們可以欣賞巴洛克時期形式與內涵兼具的音樂饗宴。
明亮開闊的古典時期
古典樂派（1750~1820）
在巴洛克時期之後，古典樂派逐漸成形了，這個階段雖然延伸了巴洛克時期奠下的基礎，但人們不再刻意強調華麗複雜的設計風格，而改成推崇古希臘羅馬時代的審美觀。因此古典時期的音樂風格，特色就是強調客觀、平衡、理性與和諧。過去刻板保守的作曲方式已經落伍了，取而代之的是更多的個人思想與新的作曲型態。
古典主義追求的是以理性的觀點建立秩序井然的結構，表現在音樂上就是風格穩健、形式嚴謹、比例對稱的作品。最常見的曲式是交響樂、奏鳴曲及弦樂四重奏。
1. 旋律：古典樂派的音樂旋律比較緊湊，樂句工整而且具有主題
性，前後一問一答的對答句讓人容易掌握，具有對稱以及平衡的
性質。
2. 節奏：為了講求平衡的質感，古典樂派的節奏穩定端正、單純簡
潔。
3. 和聲：古典樂派的音樂和聲比巴洛克時期簡單工整，基本三和弦
的使用是最常見的，數字低音則已經被淘汰。
4. 結構：以主調音樂為主，樂曲以高音部作為主要旋律線，其他的
聲部則作為伴奏角色，樂曲架構十分清晰。當時在鍵盤作品中，
最受歡迎的伴奏典型是「阿貝提低音」，這是一種分解和弦的伴
奏法。樂章與樂章之間的速度有明顯的快慢對比。賦格與對位法
已經不再是主流，但仍偶爾會出現。
5. 絕對音樂：古典時期很少有描寫性的標題音樂，音樂就是節奏與
旋律的呈現，並不是為了描述其他事物，或冠上幻想式的題目，
這種稱為「絕對音樂」的作品之曲名，只是單純的以奏鳴曲、交
響曲、四重奏等曲式作為他們的名稱。
古典時期音樂的重心在維也納，因此古典樂派也被稱作是「維也納古典樂派」。樂器作品仍然是貴族們在社交場所的必要娛樂，宮廷作曲家們寫了許多應景的舞曲、夜曲等，而一般民眾所能參與最主要的音樂活動，則是觀賞歌劇作品的演出。
古典時期代表作曲家有海頓、莫札特與貝多芬。海頓奠定了古典交響曲的曲式和樂器，他的室內樂作品如四重奏、嬉遊曲等也十分著名；莫札特可以說是任何一個世代中難得的音樂天才，他能夠把每一種形式的音樂都寫成經典作品；貝多芬使音樂脫離貴族的統治，發展出自由的獨立性，他同時擴展了奏鳴曲式的觀念，使它更加的有感染力，貝多芬的作品主要是交響曲、協奏曲、弦樂四重奏與鋼琴奏鳴曲。
自由隨性的浪漫新視野
浪漫樂派（1820~1900）
在古典時期，音樂的曲式已經被完整的建立了，而到了浪漫時期，音樂家反而走出曲式的束縛，從拘謹中解放，試圖以個人的音樂創意展現另一番新天地。
浪漫樂派的音樂具有隨性、展現自我的特質，無論是在曲式的創新、音色的實驗、音響效果的擴張等方面，都散發著自由新潮的氣息。音樂家們開始掙脫關於宗教、科學與道德的束縛，將創作的能量轉向自我的思考與感受，這股展現個人風格的潮流蔓延了將近一個世紀，並造就許多獨奏樂器的傑出演奏家。
1. 旋律：旋律充滿個人情感的表現，具有豐富的表情。樂句的結構
與長度有很大的彈性，並且注重流暢度以及歌唱性。
2. 節奏與速度：為了製造高潮迭起的音樂效果，節奏豐富而多樣
化；在速度方面，演奏者可以按照旋律的表情自行加快或減慢速
度，這種手法稱為「彈性速度」。
3. 和聲：和聲是表現浪漫主義色彩的重要工具，作曲家們深入研究和
聲理論，不協和的音響與複雜的半音階和聲，都被自由的應用。
4. 調性：因為半音階和聲與大量的轉調，樂曲的調性常常模糊難以
辨識，這種情形也促使二十世紀另一種新調性的產生。
5. 力度：為了表現情感，樂曲中常常出現強與弱明顯的對比，作曲
家們對表情細節十分重視，音響層次也非常豐富。
6. 曲式：古典時期建立的曲式雖然仍然被採用，但是有許多已經脫
離了原有的結構，作曲家注重的是音樂內容與主觀的表現，因此
段落更加自由多變化，有許多標題音樂在這時期出現了。
「浪漫」的特徵是主觀的、新奇的、重感情的，喜歡用抒情和描寫的手法，強烈的表達個人主義或民族性。這時期的音樂作品擁有旺盛的生命力，作曲家在音樂中展現個人的才華與創造力，他們不再依賴教會與貴族，獲得獨立的經濟與社會地位，提升了社會階層，成為傑出的藝術工作者。音樂活動深入百姓的生活中，因此音樂演出的需求量大為增加，也連帶造就許多高知名度的樂器演奏家。
浪漫派的音樂追求個人的自由幻想，對新世界有強烈的憧憬，因此歌曲與詩結合、歌劇也與文學及美術結合，作曲家們對於音樂以外的刺激都廣泛的接納，並進一步將這些新奇的事物納入樂曲中，開創一個全新的音樂視野。
多采多姿的民族音樂
國民樂派（1855~1900）
浪漫時期盛行的人文主義，崇尚的是追求自由與平等，而在十九世紀中葉拿破崙沒落後，整個歐洲動盪不安，許多地區人民都相繼爭取在政治與語言上的自主權。長期受到帝國統治的弱小國家，紛紛發起了革命運動，他們重新強化對國家的認同感，在文學、藝術、戲劇與音樂方面，都回歸到富有特色的民族色彩，於是強調本土文化遺產的國民樂派，也就漸漸造成一股旋風了。
這個時期的作曲家們採用民族情調的旋律節奏，在民間故事裡尋找題材，民謠的旋律也時常出現在樂曲中。他們的樂曲旨在表現國民情感，強調國家的歷史風俗與民族精神，因此不同國家的作曲家所寫出來的音樂作品，在風格上有很大的差異，可以清楚的分辨這是哪一個民族或國家的「音樂特產」。
因為政治局勢的影響，國民樂派比較盛行的地區，多半是比較弱小或是德國奧地利以外的國家。其中誕生許多重要作曲家的俄羅斯，首先在歐洲古典音樂舞台上闖出名號，接下來則是東歐的捷克、北歐的挪威與芬蘭、南歐的西班牙等等，這些國家的作曲家們將推廣國家的民族音樂視為職責，他們帶著一股民族意識的覺醒，以發揚祖國民間音樂為榮。
俄羅斯的傳統音樂充滿風味獨特的北國色彩，這些豐富的音樂素材經過柴可夫斯基與「俄國五人組」的大力推廣，在歐洲樂壇掀起一陣風潮。其中「俄國五人組」大力提倡藝術的現實主義和民族性，他們追隨著祖師爺葛令卡的腳步，深入研究俄羅斯民間的音樂文化，將俄國的史詩、傳說、歌謠與大地風光都寫進樂曲裡。值得一提的是，「俄國五人組」的成員，通通都不是接受正統教育出身的音樂家，除了作曲外，他們都還有另一份正職的的工作：巴拉基雷夫當過鐵路官員、庫宜是工程師、鮑羅定是陸軍醫院裡的化學家、穆索斯基是公務員、林姆斯基–高沙可夫則是個海軍軍官。這群人在業餘鑽研作曲技巧，藉著對音樂的興趣與才華寫出了許多好聽的樂曲。
除了俄羅斯，國民樂派還有許多來自各地的音樂家，各自帶來展現民族風情的音樂：出生在波西米亞（也就是今日的捷克）的史麥塔納，代表作是愛國史詩《我的祖國》，另一位波西米亞之子德弗札克，則寫下了《新世界交響曲》；挪威作曲家葛利格有《 a 小調鋼琴協奏曲》；芬蘭的西貝流士則帶來第二國歌《芬蘭頌》；另外還有神秘又熱情的西班牙音樂，代表人物則是薩拉沙泰、阿爾班尼士、法雅、以及羅德利哥。
二十世紀以後的音樂
現代樂派（1890~1920）
二十世紀是一個進步非常快速的年代，政治、經濟、科技、文化與藝術都以驚人的腳步不斷往前邁進。從十九世紀末到二十世紀初的音樂家們處在這樣一個變動的年代，他們的音樂創作也充滿大膽創新的風格，甚至沒有特定依循的流派。
從浪漫時期、國民樂派、一直演進到現代樂派，自由平等、人文主義與民族音樂的思想已經廣泛的被接受了。尤其是現代樂派的作曲家們，他們不再追求一致性的音樂美感，反而刻意擺脫傳統束縛、強調以自我為中心，創作出屬於自己風格的音樂。現代音樂的作品表現色彩十分濃厚，旋律不再是樂曲的主角，節奏、和聲、音響效果不斷被試驗，直到作曲家們找到能夠傳達感情、表現自我的原創性音樂。
因此現代音樂並沒有一個統一的風貌，身處在千變萬化的音樂世界中，作曲家們各自形成派別，以下介紹其中著名的幾個流派：
一、 印象主義
由德布西所發起的印象主義音樂，是十九世紀末最具代表性的音樂革新。印象派音樂講究氣氛的營造，這類型的作品有豐富的音色與音響，希望能呈現一種朦朧、空靈、若有似無的美感，因此節奏與旋律的起伏變化並不明顯，使樂曲有綿延的效果。
二、 新古典主義
新古典主義的作品是以巴洛克與古典時期的曲式為基本架構，但是在和聲、音響與音色方面，則是一種二十世紀的嶄新風貌，這時期的作曲家如史特拉汶斯基、普羅高菲夫、拉威爾等人，甚至對研發不和諧的聲響感到著迷。在作曲技巧與曲式上，新古典主義雖然沿用了前代的手法，但是往往將它簡化，例如主題與動機不再那麼龐大複雜，反而注重音樂的內涵與作曲家們所要傳達的思想。
三、 俄羅斯音樂
俄國在二十世紀初期出現了許多重要的音樂家，例如以浪漫取勝的拉赫曼尼諾夫；曲風多變的新古典主義作曲家普羅高菲夫；風格強烈前衛的史特拉汶斯基；寫出優秀交響曲作品的蕭士塔高維契等等。他們的成長與生存環境雖然充滿戰亂，但是都對音樂抱持著樂觀、勤奮的創作精神。
四、 美國新潮流
作曲家蓋希文、葛羅菲與柯普蘭，將美國的黑人音樂、爵士樂、印地安民謠等深具本土色彩的元素融入古典音樂中，這股熱力十足的新潮流在美國各地得到迴響，也延燒到歐洲，為古典音樂帶來嶄新的風貌。
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