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解說（節錄）
水彩畫的奇幻漂流──那些年，我們一起追求的水彩技法
簡忠威／國際知名水彩畫家，美國水彩協會AWS、NWS 署名會員
在我的課堂上分析學習過的大師名單中，二十世紀英國水彩大師愛德華．席格（Edward Seago）善用塑造體塊的簡潔重疊層次與模糊細節的渲染，「神」（重疊法）與「魔鬼」（渲染法）在席格的水彩畫中優雅地翩翩起舞，相映成趣。我從席格的當代水彩風景畫中，強烈感應到英國百年水彩的古典靈魂而受到啟發。同樣深受席格畫風影響的亞德利，卻挑戰了傳統水彩畫三大技法的概念與界線。他的畫作少見重複堆疊，也不賣弄水份渲染，只見粗獷渾厚、乾脆俐落的大大小小縫合色塊，讓畫紙閃耀迷人的光彩，徹底顛覆我多年來對縫合法就是生硬無趣的既定印象與成見。亞德利的水彩雖然沒有席格那種巧妙靈動的高超技巧，但卻多了一份樸質率真的情感。那是一種會讓業餘畫家覺得，畫好一張水彩畫，好像沒有想像中的那麼難；會讓專業畫家猛拍額頭，想不通自己為何要把水彩畫搞的那麼累？更重要的是，他經過二十多年的「星期天畫家」生涯，直到五十三歲才辭去銀行的工作，正式邁入專職水彩畫家而取得成功的故事，激勵著越來越多的水彩愛好者，勇敢自信地拿起水彩筆朝夢想邁進。
或許就如同我說過的：「會吸引你的畫，必定有你欠缺的養分藏在其中。」十多年前我就收藏了亞德利這本《畫家之見：約翰‧亞德利的水彩觀》原文版畫冊，也曾在課堂上為學員示範臨摹幾張書中的畫作。事實上，在我那本《看示範，學水彩》的第二篇〈基本功〉，其中第四招「碎邊縫合法」的敘述：「在縫合色塊時，採用較輕鬆、自由的運筆，並刻意重疊部分輪廓，形成破碎的邊緣，增加自然的繪畫性趣味。」就是源自於亞德利作品中那些自然斑駁的色塊。十多年後的今天，亞德利的碎邊縫合技法，對我來說早已不再只是一種自然破碎邊緣的繪畫性趣味而已，而是點、線、面的畫面構成中，直搗繪畫藝術最核心的，也是最強大的原力─大色塊的拼接與撞擊。也是我近年的水彩教學一直強調的構圖觀念：「繪畫一開始的構成設計，就是幾片大色塊拼圖的遊戲。」點與線只是過程中的連繫與延展，「面」才是畫家構圖發想的第一步。風景或靜物、寫實或抽象，無論你畫哪一種畫，再怎麼強調「面」的重要都不為過。
◎ 放輕鬆！畫好一張水彩畫，並沒有那麼難
亞德利在本書中說道：「畫家真正需要的是，對構圖有優異的判斷力。」、「色彩能否具有吸引力，唯有透過與周遭色彩的關係才得以展現。而且，色彩的配置遠比色彩可能具有的個別吸引力還來得重要。」仔細觀看亞德利的畫會發現，其實只是利用幾片大明暗色塊拼成畫面，讓幾個小色塊來回穿梭跳躍其中，再加上幾條蒼勁有力的乾筆線條和幾處聚散錯落的小點，以連繫或打破生硬的塊面。這些耐人尋味的點線面結構與輕鬆自然的筆觸，在觀者的眼中卻變成了閃耀在建築上的迷人光影，和許多漫步在街上的遊客，展現著動人的姿態與神韻。
在我苦苦追求更卓越的水彩藝術境界與建構水彩教學體系過程中，亞德利作品那些樸素無華的斑駁色塊會如此強烈地擊中我的內心，或許就是我當年心中，最欠缺的那一塊拼圖。
感謝大牌出版繼查爾斯．雷德（Charles Reid）的二本水彩著作之後，再度由我的老友，熱愛水彩藝術的專業譯者陳琇玲（Joyce Chen）引進翻譯另一位英國當代水彩大師約翰．亞德利於1996 年出版的《畫家之見》，也是我十多年前首次用來介紹亞德利的作品給畫室學員的收藏畫冊。當時雖然看不懂原文，但即使只是從圖片上去分析研究，也足以讓我發現水彩藝術與教學的新契機而受益良多。常有人問我，水彩畫要如何快速進步？我的答案很簡單：先臨摹你喜愛的大師作品，再研究大師構圖，然後走出戶外寫生，三者缺一不可。亞德利的水彩畫，沒有嘩眾取寵的炫技、也沒有高難度的水分控制和精雕細琢的細節刻畫，這位水彩大師只用簡潔明快的鮮活筆觸和塊面去寫生眼前的自然。無論是初學者或是水彩高手，是學生還是老師，這本書都是老少咸宜的最佳臨摹學習範本。《畫家之見》中文版的發行，讓我終於有機會深入認識這位誠懇謙遜的水彩大師內心世界，也真心推薦給喜歡水彩畫的朋友們─放輕鬆，別大費周章，自信的畫吧！
（精采的完整解說內容收錄於《畫家之見：約翰‧亞德利的水彩觀》）
前言
迷人的水彩──水和顏料的完美融合
我相信，我對於水彩的看法跟大家都一樣。也就是說，我覺得水彩很難駕馭，但卻讓人樂在其中，而且水彩本身就有一股無比的魅力。水彩的絕妙之處會因為不同藝術家的看法而異，但對我而言，水彩顏料的透明度最為重要，而且我經常使用白色畫紙創造戲劇性的光線效果，比方說：我會利用顏料透明度表現一種令人目眩神迷的光感，或是善用留白與相鄰色塊形成對比。有時，我會用油畫和水彩這兩種媒材處理同一個主題，雖然水彩作品未必畫得比油畫作品好，但水彩作品往往具有油畫作品欠缺的光彩斑斕。
水彩作品也具有一種生動性，這一點也要歸功於白紙發揮效用：要讓色彩變淡，不需要加入更多顏料，只需要進一步稀釋顏料，讓色彩清透露出紙面。藉由這種方式，即使最淺的顏色也能獲得一種賞心悅目的清澈感。與油畫不同，水彩可以輕易融合色塊，創造出柔和的邊緣。而且，水性媒材當然是一種使用上更省時省事的媒材─不必上底色、沒有氣味、不必等上許久時日讓畫上顏料能乾透，這所有一切都正合我意，因為我這個人相當沒耐性。
水彩跟油畫是兩種恰好相反的媒材，從一種媒材轉換到另一種媒材時，就要重新進行許多調整，但我現在經常這樣做。至於其他媒材，我從來沒有什麼時間利用不透明水彩、壓克力或粉彩作畫。雖然我知道壓克力是一些畫家的首選媒材，但是壓克力快乾又不透明，讓我使用起來猶如惡夢一場。至於粉彩，我就是不喜歡粉彩拿在手上的感覺，我知道這樣抱怨沒有什麼根據，但卻足以讓我決定不畫粉彩。多年來，我基於很單純的理由，在作畫時不使用不透明水彩，後來我才發現，不透明水彩雖然是比較不透明的媒材，卻有許多用途，尤其是需要在暗色上面加上淺色時，不透明水彩特別好用。所以，只要有這種需求出現，我就會用白色不透明水彩跟透明水彩顏料一起調色。
◎寫意畫風
我的繪畫風格被形容為寫意並帶有印象派畫風，我很樂意接受這種說法。以藝術方面來說，「寫意」意謂著刻意用一種快速進行的畫法將主題簡化。我當然會簡化眼前所見，並以相當快速的方式作畫。如果我能夠有自信、下筆夠俐落，那麼我畫出的線條和色塊看起來就會更有說服力。
我不記得自己用其他任何方式作畫。其實從我早期的許多作品來看，就會知道我以前畫得更寫意。有部分原因是，這問題跟作畫的主題有關。我早期的作品通常描繪開闊的鄉間景色，不像我現在構圖著重描繪人物和建築的作品必須先小心畫好底稿。大概是因為畫風景時，不需要將底稿畫得太仔細，因此畫出的風景看起來更明快寫意。
許多藝術書籍都提倡寫意畫風，總的來說，我認為這種說法是正確的。如果藝術家太刻畫細節，或把一個很不恰當的細節畫出來，畫作就會缺少活力。所謂不恰當的細節就是會分散注意力的過直線條，景色中無法辨識的細節，譬如：窗戶間隔條和臉部特徵。從另一方面來說，為了講究寫意而刻意畫的寫意，這樣做並沒有太大的好處，而且這種畫法顯然不是人人都適用。許多令我非常欽佩的水彩作品就是精心刻畫、煞費苦心之作。要不要追求寫意畫風，這問題確實跟藝術家的性情和所畫的主題有關。對於感受敏銳的人來說，大多數景色都具有一種視覺節奏，比方說：湍急的河流就要畫出河水的奔湧流瀉，而桌布上的陶器就不會讓人作此感受。而且，個人在還沒有打穩基本功以前，也不該受到誘惑就想一心求快，俗話說：先學會走，再開始跑，正是最真切不過的道理。
由於我用這種寫意方式作畫多年，也想不起來自己究竟什麼時候開始這樣作畫，所以也從未質疑過自己為何這樣做。我這樣做不光是為了享受即興作畫的樂趣，我也發現留一些空間讓觀看者發揮想像力，同時設法說服觀看者相信眼前的畫面即為實景，這樣做是很有幫助的。這是主流英國水彩畫的傳統，也是我樂於遵循的傳統。約翰．辛格．沙金特（John Singer Sargent）和愛德華．席格（Edward Seago）都以這種傳承畫出精彩傑作。而我剛開始作畫時，最常臨摹席格的作品，我目前能畫到如此境界，也要感謝席格給我的啟發！
在我的繪畫生涯中，起初約有三十年時間，只有週末和假日有空作畫。從一九八○年代中期到現在，我投入全職創作，除了在畫室裡作畫，我也指導繪畫課程，不然就是出外旅行尋找新的題材。因為一直有新事物可畫，讓我維持對繪畫的愛好。如果一趟旅行有利於尋找新主題，不管途中是否參加畫展，我都會瘋狂地畫上好幾週直到旅行結束。有時，當水彩讓我精疲力盡，畫畫變得不怎麼有趣時，這時使用兩種媒材作畫就很有幫助。如果水彩畫不順手，我會改用油畫作畫，而當我這樣做時，我會讓自己畫上一陣子，這種變化往往能讓我再回來畫水彩時，覺得更有新鮮感。
最優秀的藝術家會讓觀看者覺得畫作是輕鬆完成的。但令人沮喪的是，事實根本不是如此。我跟大家一樣，作畫時偶而會迷失方向，可能是因為太想強調某個特定主題，或是對某個特定主題太漫不經心。但不管情況看起來多麼糟糕，有一件事我永遠不會做，那就是放棄。我這個人不喜歡浪費，不管是浪費紙張、顏料、時間或精力都不行。無論如何，堅持不懈確實有道理。起初，我可能極力抗拒對自己不滿意的作品做任何更動，無論是用海綿擦去突兀的色塊、裁成較小尺寸，或是以墨水或不透明水彩顏料做修改。但後來我發現，讓自己不滿意的作品很有可能讓別人感到滿意，比方說，關於我的哪些作品畫得最好，我家人跟我的意見就大相逕庭。最後也最重要的是，克服挫敗感的決心，就是獲得信心的最佳手段，而信心則是無比貴重的珍寶。
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