從「美」的學問出發， 一口氣理解「美」的哲學， 除了懂「美」，更能創造「美」！ 「生活中不是缺少美，而是缺少發現。」 「美」，這個看不清也摸不著的存在， 人們應該如何定義？又要如何欣賞呢？ 【如何定義「美」？】 對於西方近代美學源於何時，學者們大概沒有異議，即18世紀。 一般認為，鮑姆加登（Alexander Baumgarten，1714～1762）於1750年正式出版《美學》一書，象徵著美學這門學科的成立，而此前他在1735年出版的博士論文《詩的哲學默想錄》中，就已經提出了「美學」（aesthetica）一詞。 鮑姆加登認為，美學是感性認知的學問，美就是感性認知的完善。 【何謂「美」的本質？】 沙夫茨伯里：富有秩序的形式就是美。 柏克：「美」和「崇高」是截然不同的概念。 哈奇森：「美」可以分為「相對美」和「絕對美」。 休謨：「美」是一種心靈狀態。 【「醜」又是什麼呢？】 「畸形不過是美的缺乏，或者沒有達到我們對異類事物所期待的美。」 在哈奇森看來，某種形式與利弊之間並沒有必然的關聯，這種關聯很多時候是來自偶然，只要我們真正了解了一個物種的生存規律或某種事物的用途，這些事物的形式就不再顯得醜陋。 飛禽猛獸、狂風暴雨、懸崖峭壁初看之下是醜的，但是一旦我們明白它們對我們不會造成危害，反而會成為快樂的原因。 一個相貌醜陋之人，如果我們發現他內心善良，那他的相貌也就不再令人生厭。由此，哈奇森證明人的美感是普遍的，不存在根本上的差異。 【休謨：趣味無爭辯】 到了18世紀，與情感密切相關的審美問題成為人們競相討論的話題，「趣味」變成了一個流行的詞語，然而趣味所包含的模糊性和神祕性也一併留存下來。 休謨撰寫〈趣味的標準〉一文，試圖釐清「趣味」這一概念；然而這篇文章卻受到眾多學者的激烈批判。為什麼？ 本書特色： 本書探討18世紀英國美學的起源與發展。透過各個名家、不同流派對「美」的討論，不只能深刻理解西方美學的沿革與影響，更能從中理解到各式各樣的美感經驗，以及它們在日常生活中的應用。

結束紛亂的五代十國，中國步入了宋朝，一場「文藝復興」隨之展開； 契丹、女真、党項、蒙古、漢，多民族在角逐之中也交流著彼此的文化； 元朝為世界上疆域最廣闊的王朝，多元文化的交融是其最大特色； 明朝在器物鑑賞上有了很大轉變，強調從賞玩中獲得美感經驗； 清朝大興文字獄，箝制人民思想，在設計審美上處處可見權力運作。 一個社會的審美經驗，會凝結出什麼樣式的藝術成果？ 以造物設計的美學思想史為切入點，從器物的審美形態著手， 探討特定時代的審美觀念，以及特定條件下的審美意識。 ◤宋朝 ▎中國的「文藝復興」 宋代的禮器考訂、設計和造作工程，整體上的趨勢是向上古三代禮樂制度的回歸。 宋代以後，由社會上層和菁英階層所帶動的復古風氣，引領了仿古器物進入日常生活的陳設與賞玩。 ▎從哲學看美學 ．以物觀物 從「天理」出發達致澄明之境，而非從「人情」出發以一己之心造成晦蔽。 ．觀物以理 從整體上，宋代器物在功用審美上較前代更趨內斂。一方面，由於使用功能和價值與器物內蘊之「理」連結在一起，器物更趨向於適用於人；另一方面，器物的感性形式在合理性的驅動下，也更趨向於凝鍊。 ◤元朝 ▎國土遼闊，東西交流 《元史·地理志》：「北逾陰山，西極流沙，東盡遼東，南越海表。」 各種外來文化和宗教與中國傳統文化被積極接納並相互影響，儒家文化、漢傳佛教文化、藏傳佛教文化、蒙古文化、高麗文化、伊斯蘭文化乃至基督教文化等，皆在蒙元時期的物質文化形態上留下了印記。 ▎手工業發展與外族工匠 羅馬教皇使者義大利教士若望·柏郎嘉賓：「第三代大汗貴由寵愛俄羅斯金匠豁思馬，登基的象牙寶座和印璽便由他製作。在第四代大汗蒙哥的時代，巴黎金匠威廉曾率50名工匠，製作了一棵構造精巧的大銀樹，用於宮廷酒局，還有四隻銀獅、四面銀盆配合使用。在那時的漠北，還有法蘭西樣式的銀十字架，上面釘著基督像。」 ◤明朝 ▎從「格物」到「玩物」 明代以各類器物為撰述對象的譜錄、筆記和其他文人小品數量眾多，充分流露了明人關注器物的心態、視角和鑑賞活動的價值標準。 明代中期以後，對器物在審美和日常使用上的評價，漸漸成為以文人為主的器物鑑賞主體的關注焦點。 ▎古物與「時玩」 古代器物不再是被束之高閣的「藏品」，而是被取用於日常生活之中，透過「再設計」成為營造文雅生活的道具。 「時玩」是指近世或當代的物品，包括一些舶來品。明代萬曆年間的書畫、永樂漆器、宣德銅爐、永樂宣德成化瓷器、紫砂器、紫檀紅木器乃至摺疊扇、蟋蟀盆等物件，為世人競相收藏。 ◤清朝 ▎文字獄下的思想箝制 清初，朝廷透過罪罰剝奪言論與出版的自由，形成了與晚明截然不同的社會風氣與文化氛圍。康、雍、乾三朝對所有「反清」思想進行嚴厲鎮壓，甚至無端猜忌各種有可能影射的文字。 ▎權力運作——帝王的審美 「在家國一體的封建體制下，皇帝個人的意志和審美趨向，往往決定了整個朝代的審美趨向。」 宮廷造辦處保證了皇權能夠更嚴格的控制國家重大事項、更緊密的滲入宮廷日常生活，並在客觀上對社會其他階層的物質文化審美觀產生影響。 ★本書特色 本書將循著歷史的主線（從宋朝至清朝），從美學思想的角度來呈現中國傳統設計發展歷程中的成果，也從審美觀念和審美意識的角度，來品味中國傳統設計的特質並體察其動因。

影響近代西方藝術的十八世紀英國美學 × 藝術、哲學、心理學……各家精華一把抓 「美的」不一定是「美麗的」？「美學」不等於「美」？ 關於日常生活中常說的「美」，竟然各有各的說法！ 到底我們常說的「美」是怎麼一回事？ 自沙夫茨伯里（Shaftesbury）正式將美學問題納入哲學領域以來，經過一系列重要美學家的一路開拓和發展，18世紀的英國形成了一套獨具特色的美學。 總體來看，18世紀英國美學主要是一種審美心理學，也就是以審美主體的心靈活動作為研究對象。 從這方面來看，英國美學真正確立了美學的主體性原則。 【英國美學一開始其實很「落伍」？】 17世紀的英國社會對藝術並不重視，甚至那個時代的英國人對藝術也不感興趣，而是傾向於從事能帶來實際利益的職業。 即使在18世紀，有很長一段時間，英國都缺乏與歐洲大陸抗衡的著名藝術家，人們所能欣賞到的幾乎都是來自法國、義大利的繪畫、音樂和戲劇。 也因此，我們有必要討論英國美學為何突然崛起，又如何影響近代西方美學的發展。 【「美」的核心在於「趣味」？】 布萊爾：趣味是人先天辨別美醜的能力，幼兒會被規則的形式、圖畫和雕塑所吸引，粗鄙的農民也能從民謠故事、天地萬象中得到樂趣。 艾利遜：趣味被看作人類獨有的一種能力，憑藉這種能力，我們察覺並欣賞自然或藝術中美的或崇高的東西。 艾迪生：好的趣味能夠分辨哪些作品是優秀或平庸的，美的作品自然會帶給人快樂，而低劣的作品則讓人不快。 【古希臘時代的「演講」是什麼樣子？】 古希臘諸城邦，先有暴君獨裁，而後被民主政府驅趕；然而民眾受自由精神的激勵，積極參與政治，相互競爭。如果不用武力，便要用語言來決出勝負，這就是雄辯之所以興盛的原因。 古羅馬人的雄辯藝術學自古希臘，但他們無論在活力上還是敏銳程度上都比不上古希臘人。古希臘人的雄辯藝術大多源自天才，而古羅馬則來自規範和技巧。這是因為在共和國時期，公共演說便成為古羅馬人獲取權力和名聲的工具，稱不上是真正的「雄辯」。 本書特色： 本書探討18世紀後半葉英國美學的起源與發展。透過各個名家、不同流派對「美」的討論，不只能深刻理解近代西方美學的沿革與影響，更能從中理解到各式各樣的美感經驗，以及它們在日常生活中的應用。

藝術設計×色彩美學 初次入門油畫、國畫、水彩，應該準備哪些工具？ 色彩的作用有多神奇？竟然能牽動觀者的生理和心理變化！ 三要素已經耳熟能詳了，色立體助你直觀感受抽象的色彩空間！ 平面設計、動漫設計、環境設計、產品設計、服裝設計…… 色彩的應用超乎你想像，快隨著本書一同進入繽紛的設計色彩世界！ ‖第一堂：設計色彩概述 【何謂設計色彩？】 ．即在有目的的、預先制定的方案或圖樣中進行色彩的系統應用； ．依附於設計的色彩造型方式，是設計的重要組成部分； ．無法獨立存在，必須受到物品的形態限制； ．可以與設計同時呈現在制定的方案或圖樣中，也可以後續補充。 【設計色彩教學方法】 ．Step1色彩寫生：把觀察到和體驗到的色彩透過手和眼表現出來，並逐漸了解物體的色彩關係，建立起設計的意念。 ．Step2色彩臨摹：直接把著名畫家的成果吸收為自己的知識和技能，但在熟悉這些表現技巧以後，還是要有自己的想法。 ．Step3色彩借鑑：根據原作的基本色彩關係進行顏色的系統組合，在借鑑大師的色彩應用經驗之餘，又能發揮自己的主觀能動性。 ．Step4色彩想像：在前幾步訓練的基礎上做昇華，讓大師們的色彩經驗自然而然地和自己的作品融為一體。 ‖第二堂：色彩的基本理論 【色彩混合】 總是嫌顏色不夠多，不知道怎麼調和出想要的顏色？ 色彩混合教你打造屬於自己的新色彩！ ．正混合：又稱為加法混合、色光混合，是將兩種或兩種以上的色光投照在一起，產生新的色光。 ．負混合：又稱為減法混合、色料混合，是將兩種或兩種以上的顏色相混在一起而產生的新的色彩，混合的成分越多，則色彩越暗。 ．中間混合：又稱並置混合，是將分離的色彩並置在一起產生相互影響，在一定的空間裡，產生視覺上的混合。 【色立體的應用】 ．把色彩按照色相、明度、彩度三屬性有秩序、系統性地加以編排與組合，構成一個具有三維空間的色彩體系，稱之為色立體。 ．色立體提供了一個可以直觀感受色彩三屬性的抽象色彩世界，呈現了色彩自身的邏輯關係，使我們能夠更清晰地理解色彩、掌握色彩的分類和各種組合關係。 ‖第三堂：設計色彩的學習方法 【大自然是最好的參考對象】 藝術設計是一門燒錢的專業？那就拜大自然為師吧！ 包天包地、包山包海、包春夏秋冬、各種動物植物應有盡有， 造物主千百種曠世奇觀，你細細品味過了嗎？ 【偶爾也要觀摩大師作品】 大師在觀察和表現色彩時有其個別的理解， 經過一番艱苦的探索和思考，結合自己獨特的個性， 把色彩應用得淋漓盡致，將作品與創作意圖緊密結合， 我們應用心體會並將其實踐於成果中。 ‖第四堂：色彩情感 【色彩心理學的二三事】 你是否有過這樣的感覺？ 看到紅色時心跳加速，看到藍色時又趨於平靜， 這不是錯覺！色彩真的能影響我們的生理和心理！ 受生活經歷、信仰、習慣、文化背景等影響， 每人對於色彩的觀感也不同，本書將逐一分析！ 【色彩也劃分「種族」？】 我們在看古裝劇時經常能聽到：秦人尚黑、楚人尚紅…… 除了各國國情不同，每個朝代也有各自的偏好， 黃色更被視為皇權的象徵，細分為明黃色、杏黃色等等。 而在歐洲、非洲，這些顏色又有截然不同的意義， 從民族性到地域性，帶你全方位了解色彩的專屬文化！ ‖第五堂：設計色彩的應用 【平面設計】 平面設計是一切設計的基礎，舉凡廣告、包裝、雜誌、書籍、插畫…… 任何設計都離不開「平面」的概念，色彩於此處的應用也是最廣泛的， 本書將教你運用色彩打造出震撼力十足的平面設計作品！ 【動畫設計】 色彩在動畫角色設計中非常重要，不同的色彩組合成不同的色調， 而不同的色調又能組合成不同的氣氛，表現出不同的情感， 只有合理的色彩搭配才能表現出獨特的審美價值和審美效果！ 特別收錄：優秀設計色彩作品賞析 ★本書特色 本書是一本研究「設計色彩」的基礎教材。主要從設計色彩的概念、基本技法以及在設計創作中的具體應用，由淺入深、循序漸進地加以闡述，幫助讀者更好地掌握基礎原理以及學會創造性地應用。

時間是狀態，是火燄，是人類如蠑螈般的靈魂居住的地方。 ——塔可夫斯基 給所有 在電影裡尋覓生命片羽的人 人生如此無理、無序， 你可以選擇將它活成一首詩， 就像塔可夫斯基和他的電影。 ◎世界公認電影藝術聖經，所有探問創作與生命意義之人書架上的經典藏書 ◎100幀電影劇照與拍攝現場工作照，收藏大師以畢生雕刻的時光 ◎塔可夫斯基之子親自授權繁體中文版，自俄文最終修訂稿譯成 塔可夫斯基是誰？ 他一生只拍了七部長片，不只擒下威尼斯影展金獅獎，也拿遍了坎城影展評審團大獎、導演獎、費比西獎、人道精神獎，並提名金棕櫚獎三次。 他與費里尼、柏格曼並稱「電影藝術的聖三位一體」，是世界公認電影史上最重要、最具影響力的電影人之一。他的電影語言是為傳達人類精神境界所獨創的詩性敘事，幽沉如夢。 大師眼中的大師 終其一生，他只拍了兩部短片、七部長片，卻已足以令他被尊為自愛森斯坦（Sergei Mikhailovich Eisenstein）以來最重要也最著名的俄國導演，影響無數歐洲電影，擄獲藝術電影人的心。日本大導黑澤明為他的電影藝術辯護，波蘭大導奇士勞斯基（Krzysztof Kieslowski）稱其電影影響了他的創作，瑞典大導柏格曼（Ingmar Bergman）更尊他為「最偉大的電影人」。 影癡心目中的靈魂捕手 與柏格曼、安東尼奧尼、羅伯．布列松、安哲羅普洛斯等大導，並列近10年西方電影研究顯學「慢電影」（Slow cinema）先驅大師。即使塔可夫斯基在1986年已去世，而他的電影與當代主流的蒙太奇風格背道而馳，三十多年來仍不斷吸引無數電影研究者、不同世代的影癡推崇與討論。 所有熱愛電影藝術的人，心裡都懷抱著一部塔可夫斯基電影 他在第一部長片《伊凡的少年時代》（1962）中展現將戰爭「陌生化」（Defamiliarization）的高度美學，披露比戰爭畫面更殘酷、怵目驚心的是暴力留下的痕跡，也以這第一部電影長片贏得威尼斯影展金獅獎，技驚西方電影界。 《安德烈．盧布列夫》（1966）中的塔可夫斯基，繼承了杜斯妥也夫斯基的宗教情感，透過俄羅斯聖像畫家盧布列夫由迷失、墮落到覺悟的人生歷程，打造一幅堪比托爾斯泰「傻子伊凡」經典的俄羅斯聖愚主義肖像。 他的《飛向太空》（1972）被視為與史丹利•庫柏力克《2001太空漫遊》同等地位的偉大科幻史詩。但「太空」對塔可夫斯基來說，不是科學探險的場域，反而是一種無重力、剝除人類世界所有雜質後，讓人面對內在最深處的道場，將「科學的探祕」轉化為「心靈的歸航」。 《鏡子》（1975）是他集紀錄性、自傳體、新聞史實與詩意於一體的「作者電影」。「鏡子」不只是一面反射體，更是一個抽象概念。它也是一個時空的介面，母親與女兒、父親與兒子的角色分別由同一位女性、男性演員飾演。一部半自傳式作品，卻讓所有觀眾最終也獲得一面自己的鏡子。 《潛行者》（1979）裡有一間「密室」，相傳人類進入該密室中將得以滿足個人最深層的追求，窺見自我最純真的面貌。塔可夫斯基為我們獻上一場自我意識的深度歷險，卻只在歷經折磨之後，發現自我從來不是一個充實、完整的核心，自我的探索將只是一個永遠無法圓滿的追求。 之後，塔可夫斯基前往義大利拍攝新作，卻從此被祖國俄羅斯流放。《鄉愁》（1983）是他人生的預示，鄉愁成了他靈魂的不治之症。異鄉人失去故國領土的蒼涼，精神上的畸零人失去支柱的抑鬱，最終息止於一場安魂之祭，一種信仰路上真正的返鄉。 罹患癌症後，塔可夫斯基於1985年抱病拍攝《犧牲》（1986），在異鄉瑞典完成了他生命中最後一部作品。它充滿視覺寓言和意象密碼，透過一個核子戰爭來臨、人類即將毀滅的時代，展現他對「人類之愛」最深切、最莊嚴的肯定，堅信人類可以重建與自己靈魂的原始盟約，重返人類精神的伊甸園。 他的名字，就等於電影藝術從電影學院畢業作品《壓路機與小提琴》（1960）到《犧牲》，二十多年的導演人生中，塔可夫斯基不只透過拍攝電影追索「生而為人」的各種叩問，也提筆記錄下在製作、拍攝每部作品期間關於電影藝術、生命的所有思索與辯證，直到去世前幾日才完成最終章，構成了這本對於所有在電影藝術中尋求生命共鳴的觀眾來說，永遠占有特殊地位的經典書寫：《雕刻時光》。 塔可夫斯基： 「電影最吸引我的地方，就是其中蘊含詩意關係，或者詩的邏輯。 我認為，它最符合電影這種真實且抒情的藝術類別。 無論如何，我喜愛詩意邏輯，更甚於以情節發展順序的直線邏輯建構形象的傳統戲劇。 在我看來，詩意邏輯更接近思維發展規律。 也就是說，比起傳統的戲劇邏輯，它更接近生活本身。」 自從以第一部長片《伊凡的少年時代》摘下威尼斯影展金獅獎後，塔可夫斯基便以其獨特又詩意的視覺風格，征服全世界觀眾。 論者以為他的電影作品延續了十九世紀俄國文學傳統，雖有無數評論家試圖解讀塔可夫斯基深層的內在視野，卻總探觸不到他的真實面。為此，塔可夫斯基在生前提筆寫下《雕刻時光》一書，自剖個人的藝術觀，細述其創作生涯始末、心中的永恆追求，以及身為藝術家絕不可能妥協的信念。 他認為，人之所以走進電影院，往往是為了失去或錯過的時光，為了未曾擁有過的時光。 他相信，詩意邏輯更接近人類思維的規律，堅持在電影裡透過詩性來趨近生活的真實性。 他批判，蒙太奇技術背後藏有試圖主導觀眾情感和認知的意識形態，而這種意圖貶抑了觀眾的判斷力。 他直指，用手持攝影機搖晃、看似不經意拍下的鏡頭，其虛假或做作的程度，不亞於那些意義貧瘠的偽詩意電影——此二者都缺乏拍攝對象具體的生活與情感內容。 對塔可夫斯基而言，電影人應該雕塑生命之流中的意義，提煉人的時代性與社會性，探索諸如信仰、道德、友誼、殘酷、欲望、救贖、懊悔、犧牲、愛情等人性範疇，而《雕刻時光》讓所有人看到，他有如電影藝術的苦行僧，拒絕向違背自己信念的世界妥協，真誠披露其電影生涯的心路歷程，公開每一部作品的創作歷程、美學思維、對時間與生命的哲思，以及影像創作的理想與可能性。

這是一本以美學觀照台灣現代詩詩史、詩作、詩論的重要論述。 全書共分三部。第一部「美學與歷史的辯證」，以美學檢驗詩史，以語言藝術驗收詩作。不把詩的詮釋套入理論的框架，不以政治意識型態左右詩的歷史定位。第二部「後現代風景」，以後現代雙重視野的精神，審視結構與空隙、意義的流動、意象的嬉戲等。以詩例導引讀者進入後現代主義的堂奧，反襯一般將「後現代主義」簡化成文字遊戲的論述。第三部「美學的歷史跡痕」專注於長詩，以及那些技巧「似有似無」的詩作。前者檢驗詩人的意象敘述能力，後者體現「表象看不出的技巧可能是最高的技巧」。 本書2004年初版，此次增訂/修訂版增添了多位詩人的討論，延伸了幾位詩人的論述，大幅增加了「似有似無的技巧」的篇幅，並完備了本書人名的「索引」。

逾35年歷久彌新 ▎經典導論 認識建築的必讀教科書 ▎1986年首次出版，暢銷全新增訂版 ▎ 康乃爾大學、洛桑聯邦理工學院教授 近40年教學經驗，致力發展基礎、實用的教學方法 學術論文引用專書 ●全球建築院校指定教科書● 「數位時代的今天，書中談述的空間觀念正在全面流失中。」 ──Kenneth Frampton 可信的基礎，啟發正確的建築觀 提供恆久的原理原則 VS 值得一學的設計理論 感知性┼觀念性的建築永恆之道 國立陽明交通大學建築研究所終身講座教授曾成德──選書導讀 「馮麥斯希望為建築學習揭櫫的是『設計的理論』，也稱之為『方案的理論』。『設計』與『方案』不僅是學門之外的人所難以明白的名詞，也是建築人自己說不清楚的過程。……建築師手中拿著建築方案，這是他的設計，這是他的夢想。而我們知道：『方案的理論』才是建築之夢的基礎。」──曾成德 「教授建築近二十年來，這本最適合幫助同學進入建築領域。」──林昌修 「出版至今逾35年仍歷久彌新，是引導學生認識建築的一本經典教科書。」──施植明 ▎大幅擴增與修訂的經典版本，認識建築的經典教科書 做為一本可供全世界建築系學生參考的教科書，使用不同文化的多元原始資料，是其成功關鍵之一。這不是一本歷史也不是理論，而是一本詳盡的導論，對建築界眾所接受的概念，做一番分類總覽，書中架構出的感知性和觀念性，性質接近「設計的理論」，幫助我們了解建築設計的觀念，發現一些確實可信的基礎，學到一些方法。 增訂版做了大幅擴增與修訂，後半部5-10章，是當中最具新意的部分，收錄了許多全新素材，尤其是以空間為主題的第五章，令人耳目一新，當中詳述了各種範疇的空間觀念，在數位時代的今天，這些觀念正在全面流失中。另於附錄中，收錄半世紀以來討論建築組構、城市和地景的三篇重要文章。 ▎30年教學經驗的建築老兵的思想精華 作者融合逾三十年的教學經驗，以一位西歐建築師的角度書寫，深受「完形心理學」、「現象學」影響，結合理論與實務，特別強調「know-how」。從不同角度談論各種建築體驗，包括秩序vs.失序、場所vs.空間、光線vs.陰影、對稱vs.非對稱。 書中援引的例子，囊括國際大師，從艾森曼、李伯斯金到哈蒂，從黑茲貝赫、西薩到妹島，從蓋瑞、祖姆托到赫佐格與德穆隆，從安藤忠雄到伊東豊雄，並說明一系列最關鍵的空間觀念，包括深度、密度、相互穿透、組合、組構，連同某些現代主義的空間觀念，例如阿道夫‧魯斯的「空間體量設計」和柯比意的「自由平面」。 作者身為建築教育界的老兵，自身的經驗讓他強烈感覺到，傳統的建築修辭不該盲目繼承，但也不能以日益動盪的後現代情境為由，輕率否定，分析到最後，建築既非藝術也非科學，它依然是一門哲學技藝，少了傳統很難出現真正重大的創新，反之，少了創新也很難讓傳統存活延續，這種持續、吊詭的互惠，正是本書的終極主題。 原書名：建築的元素【全新增訂版】

「不說話不做事的時候，衣服就是我們面對世界的表情； 在我們說話做事的時候，衣服則像一個好朋友， 它陪伴我們，給予我們力量和溫柔， 不停地傳遞一個訊息給我們：沒關係，放輕鬆。」 「美」是由誰來定義的？怎麼樣穿搭才能算得體又大方？ 各種布料有何不同？哪種花色適合哪種身材的人？…… 衣服和人其實是相互塑造的關係，風格並非短時間形成的， 我們各自住在「舒適圈」裡，服裝變化象徵了內心的成長。 ◎素T——材質不好像透明抹布，過厚又會失去柔和線條 這些年，我穿得最多的白T恤面料是長絨棉。長絨棉也叫海島棉，「長絨」說的就是纖維長度，纖維長度33mm以上才算長絨棉。而我們平常說「純棉」指的是細絨棉，纖維長度在25mm—31mm。一般用在T恤上的長絨棉有兩種：埃及棉和Pima棉。埃及棉有非常好的懸垂感，因此可以免熨燙，在衣架上掛一個晚上就不皺了，並且結實耐穿韌性又好，不像一般的棉織品那麼容易變形。Pima棉質感和埃及棉較為接近，秘魯產的最為優質，優於美國，而美國產的又多優於亞洲產的。所以同樣支數的紗線，埃及棉和Pima棉比普通棉花能紡進更多根纖維，成紗的強度更高、回彈性更好，也更耐磨。 ◎風衣——為身體帶來生動氣息，給人獨立自主的印象 電影《北非諜影》中英格麗．褒曼穿著的中性款式的風衣，讓許多影迷迷戀不已，從此「工裝佳人」這個美好的稱呼成了她的代名詞。湯唯在電影《晚秋》裡也把風衣演繹得特別好，風衣是有些男性氣質的，所以一個長髮女人穿出來，會有一種混合的、複雜的美，又灑脫又浪漫，還有點大女人。 風衣起源於第一次世界大戰時西部戰場的軍用大衣，又被稱為「戰壕服」，所以一件傳統的風衣是有「槍擋」的，也就是在前胸處多了一塊布，為了耐受握槍瞄準的時候槍座與面料的摩擦。背部還有一塊防水罩，也是因為戰時需要。現在一些品牌的風衣還保留了這兩個設計，但槍擋和防水罩會造成擴展上半身的效果，並不適合太胖的人。 ◎平底鞋——擺脫高跟鞋的拘束，既不累腳又百搭！ 小白鞋是很友好的萬能穿搭，但對於腳大的人來說，白色稍不注意就會顯得腳更大。所以雖然對小白鞋有鍾愛，但也不是隨便一雙小白鞋穿上都好看，我就穿不好大家都愛的Converse，但木墨出過一款有點米白的硫化膠底板鞋就很適合我。所以，人跟鞋子大概也是需要緣分的。 各類鞋中我最推薦深藍色帆布鞋，不知道穿什麼的時候，通常選它不會錯。 腳背高的人其實能駕馭樂福鞋（樂福鞋指的是無鞋帶的平底或低幫皮鞋），英文原詞是「Loafer」，「Loaf」一詞的本意指的是一種閒散的生活方式，而「Loafer」就代表著一群擁有這種閒適自在的生活態度的人。樂福鞋原本只是男性休閒鞋款中的經典款式，漸漸也在女鞋中占據重要位置。 〔本書特色〕 這是一本寫給「普通人」的日常美學穿搭書，從布料挑選到色彩搭配，作者詳細介紹那些生活裡「再平凡不過」的衣服，並從中道出自己的美學觀點：普通美不是不追求美，而是適度的美，是在處理人、衣服和環境的關係過程中達到的一種放鬆又舒服的美；是「這樣就好」，而不是「這樣很好」。

花藝可不是日本專屬，你對中式「花道」了解多少？ 早在《詩經》、《楚辭》便可見古人對大自然的敬畏， 並形成數千年來用花木供奉祖先、神祇、社稷的傳統； 在文學作品中，借花抒情、以花明志者更是數不勝數！ 插花原本是宮廷貴族活動，而後演變為幽人雅士之好， 至元、明甚至出現了專門著作，自成一套完整的體系， 以「正本清源」為己任，帶領讀者領略瓶花藝術的真諦！ ◎袁宏道《瓶史》 ——嚮往雅士歸隱山水，寄情花竹聊以自慰 ★別讓香料毀去自然清香，談談那些花之「人禍」 　　花前不宜焚香，這個道理就跟茶中不宜泡果脯一樣明白。茶有茶味，不需要果味去賦予它甜或苦，花有花香，也不是靠香煙薰陶得來的芬芳。這兩種做法，都是非常低級庸俗的錯誤。再者說，香煙氣性燥烈，極易害花，一旦受其荼毒馬上枯萎，所以在花前焚香還不如直接揮劍削死它算了。捧香、合香，尤其使不得，因為這些裡面都摻有麝香。 　　那個韓熙載就最喜歡在花前焚香，還說什麼：桂花宜用龍腦香料，酴醾宜用沉香，蘭花宜用四絕，含笑宜用麝香，薝卜宜用檀香。此人怕是過慣了徹夜宴飲的生活，就連養個花也要像設宴一樣大講排場，這不是清賞雅士應該做的事情呀！ ◎張謙德《瓶花譜》 ——清閒安逸生活中流淌，執筆竟是翩翩少年郎 ★花開堪折直須折，「折枝」須待最佳時機 　　若上梢繁茂，須下幹消瘦；左高仰，右必低沉，反之亦然；或是一杈分兩枝，各自蜿蜒盤曲，皆因花葉覆壓而臥姿難正；或是底部叢密，掩蓋瓶口，突然從中竄出孤零零一挺拔高枝，花簇緊湊掛於梢上。凡此種種，渾然天成，其妙境亦不輸畫中。倘不然，直愣愣的一根呆枝，挑起一堆蓬頭垢面的憨花，還拿去插在瓶裡清供——這像什麼玩意？ ◎高濂《瓶花三說》 ——縱是賞玩仍講究宜忌，始知草木有三品等第 ★牡丹花 　　於小口瓶中，灌入滾水，插牡丹一二枝，緊塞瓶口，則三四天之內，花葉都飽滿不衰，可盡情賞玩。芍藥亦可照此法插貯。另一說：用蜂蜜取代水，可使牡丹不衰，蜂蜜也不會變質。 ★梔子花 　　將折枝的末端捶碎，抹上食鹽，再入水插貯，可使花不枯黃。或初冬，等它結了梔子之後，再折一枝來插在瓶中，紅色的梔子宛若花蕊，亦十分可觀。 ★荷花 　　新採的荷花，折斷處用亂髮捆纏，然後用泥漿將它上面的孔都封住，先插入瓶中，觸至瓶底，再灌水，防止水進入孔中。孔內進水，則花易凋落。 〔本書特色〕 本書收錄袁宏道《瓶史》、張謙德《瓶花譜》、高濂《瓶花三說》皆為明萬曆年間的著作，插花藝術在此時進入鼎盛，趨向平民化發展。《瓶花譜》是中國現存最早的插花專著，系統制定了各項標準；《瓶史》則傑出於文學價值，活靈活現地展現愛花人之神態；《瓶花三說》雖僅是對瓶花藝術的零星闡述，其觀點卻也深受袁、張的肯定。

隨書附送「街頭漫遊風格創意貼紙」讓你自由拼貼， 創造屬於自己獨一無二的《台北字遊行》封面！ | 誠意推薦 | 追奇（詩人）、崎雲（詩人）、劉定騫（詩人）、陳慧（作家）、鴻鴻（詩人、劇場及電影導演）、劉克襄（作家、「浩克慢遊」主持人）、陳夏民（逗點文創結社總編輯） 如果你想認識這個世界，就必須勇敢提起腳步，走出去外面看看。 你會發現生命最有趣的地方是：冒險。 而冒險可以從散步開始，從一條街道巷弄開始。 有時候，最美的風景就在眼前，不假外求。台北市擁有不少名氣響亮的街道巷弄，有些主打現代感，有些重視復古懷舊、有些傾向文藝風格、也有些充滿老樹綠蔭……每條街道風貌各具特色，只要用心觀察，都能從中發現專屬於你的詩意風光。 《台北字遊行：給散步者的冒險筆記》以手機拍攝台北街頭各處的創意貼紙作為主題，邀請五位不同創作背景的寫作者為此撰寫故事，它可能是一行詩、一篇散文、一個極短篇小說、一段戲劇性對話、一則生活隨筆，作者們試圖把這些神祕貼紙內容與文學構建連結，讓讀者從高濃度的色彩圖片觀察台北，也能從文字裡獲得獨特的閱讀冒險體驗，從中思索圖文之間的美妙趣味。 起心動念 研寫樂有限公司負責人周錦明（Kevin）來自香港，日常喜歡閒逛台北巷弄，遂發現台北街道有很多設計強烈、意象有趣的貼紙張貼各處。廣告設計背景出身的他，起心動念想為這些「另類風景」出版一本攝影書。 Kevin經過一年時間的台北散步冒臉，最後收集到75款創意設計貼紙，並由夏宇童、簡莉穎、李豪、崔舜華、陳繁齊五位寫作者，各自發想出75個奇妙思想的冒險故事，所以這是一本由香港人跟台灣人共同創作的圖文書，也是一本給散步者，給旅行者的台北街道冒險筆記。 本書特色 ★台北街道巷弄超有趣，用手機攝影呈現台北創意貼紙與城市空間之文化關係 ★結合超人氣作家、詩人、劇作家、藝人等跨界創作者，讓他們以文字帶領大家在台北巷弄大冒險 ★一本關於塗鴉、設計、字體、拼貼等豐富意趣創作的圖文書，兼具文學性、娛樂性、設計和藝術性 ★讓讀者重新觀看及感受台北街頭貼紙創作的特殊美學與魅力