親近古典音樂時，最好先理解的元素有哪些？
各行各業都有自己特殊、慣用的專有名詞，有的深奧難懂，如醫學上的病理名或藥品名；有的看似繁瑣卻自有巧妙，如餐飲業中的煎、炒、燉、煸；而有些名詞的道理其實早已融入我們的生活，如佛學的輪迴、因果報應，或基督教的原罪等等。遇到這些專有名詞，非得儲備一些耐心以及一個「放大鏡」去看、去理解，方能漸漸去除「霧裡看花」的茫然感。
同理，想親近古典音樂，對三主要構成元素「節奏」、「音高」、「和聲」的細節與相關名詞，最好也能稍分辨一下，好幫助自己跨過粗淺的聽覺門檻，進而入內尋幽。因此，本篇將淺釋一些古典音樂常應用的專有名詞，引領大家理解他們的原理。
一、節奏
拍子（Beat）：不同長短時值的音符，彼此間經各種安排形成特別關係，用來標注音樂裡的時間移動。
拍號（Meter）：出現在曲首或曲中，指示每一小節拍子安排的規則，如單拍子式的三四拍子 (（□不讀成『四分之三』拍！!)），即是以四分音符為基本單位，每小節共有三拍；複拍子式的如六八拍子（□）同理，又可每三個八分音符劃一小組，溫馨流動的牧歌、船歌常使用此種拍號。
節奏（Rhythm）：由不同符值的音符所形成的特定強弱模式，如同外文單字有輕重音節，例如三四拍子形成「強、弱、弱」的關係，而六八拍子第一拍為強拍、第四拍為次強拍，餘者為弱拍；輕重關係通常固定，一旦變化，即造成不同的韻律感。
三連音（Triplet）：單拍子式如二四拍子的樂曲中，原本每兩個八分音符構成一拍，忽改由三個八分音符才組成一拍，當下可呈現不同的語韻趣味。
切分音（Syncopation）：指一般拍子規律進行時，有意外提早搶入的拍子，打破原來的韻律感，但也替音樂增添特殊精力。二十世紀初美國黑人音樂家卓布林（Scott Joplin）作了許多鋼琴或小提琴的短曲，如「藝人」（Entertainer），即常應用切分音。
二、音高（Pitch）
每個音的物理振幅不同，因而產生不同的「音高」。然而，相異民族的音樂其實會有不同的頻率標準，如：印尼的甘美朗樂器利用「微分音」製作，與西洋依「十二平均律」訂下的音高相比，聆聽的感覺以及對旋律創作的影響大異其趣。
音程（Interval）：指每二音之間的距離，自古希臘時期已依數學比例推算振幅而訂下。西洋音樂中距離最小者叫半音（小二度），另外有全音（大二度）、完全八度、小三度、增四度、減五度等許多細分名稱。如果有二個音同時出現，形成和聲音程，先後出現則叫旋律音程。
和弦（Chord）：由三個以上的音所疊成的音群，彼此間有一定的音程關係，可經由「轉位」改變音的排列次序，如：由CEG三音組成的和弦，第一轉位變成EGC，第二轉位為GCE。性質上主要分為大、小、增、減四種，如大三和弦是二個互成大三度音的上方再加個小三度音，聽起來明朗而穩定；相對地，減三和弦是小三度加小三度，聽起來較擁擠、緊張。七和弦由四個音彼此間呈三度構成，基音與最上層的音相差七度；七和弦又分不同型式，以屬七和弦最重要，有引領音樂回主和弦、結束全樂段或全曲的功能。另外，還有九、十一和絃等。
音堆（Tone cluster）：由一堆可確定音高的音疊成，數目不定；常出現在二十世紀音樂作品中，用來表現特殊、強烈的音效或情緒。
音階（Scale）：由一群音按照高低順序排列形成。音階中的音名按序叫C、D、E、F、G、A、B，也可一個個稱呼其級名，包括主音、上主音、中音、下屬音、屬音、下中音、導音；不過，歌唱時通常使用唱名Do、Re、Mi、Fa、So、La、Si。
西洋古典音樂主要以七聲音階作變化，如大調音階（Major scale）指第三至四音、七至八音間為半音，其餘為較寬的全音；小調音階（Minor scale）則是第二與三、五與六音間為半音；當一個八度內各音距離都相同、皆是全音時，叫全音音階，而全由十二個半音接續形成的稱為半音音階。可是，世界各地音樂不一定都慣用七聲音階，如日本及中國傳統音樂即以五聲音階（Pantatonic scale）為主。
三、和聲（Harmony）
指西方古典音樂中，和絃之間的各種連接、組織關係，是造成與重「旋律」的中國傳統音樂差別很大的因素。其基礎建立在所謂泛音列（Overtone series）上，即藉由一個基礎音，再求出一系列相對振動比例數的音，不同泛音列的音則造成「不和諧」的和聲。
調性（Tonality）：一首曲子會被定位為「Ｘ調」(（key)），通常是先看曲首主要構成音階的主音，以及曲末結束音，再觀察整首樂曲是否在該調上發展；即便中間可能轉去別的相關調，但最終通常會回歸本調。
基本上，古典音樂多數採用大、小調觀念。：
大調音樂：使用某大調音階作主體發展，再加上其他相關的調性輔助變化。雖然聆聽感覺依個人而不同，但大調音樂常聽起來較明朗、開心，所以許多民歌或流行歌以之作成，即使是古典音樂也奇妙地以大調曲居多。
小調音樂：通常聽來感覺比大調暗沉、憂鬱，因此，傷心或緊張性的音樂常以小調表達樂思。
四、曲式結構（Structure）
如同建築樓房，創作一首樂曲所需的元素繁多，由小到大，概分如下：
動機（Motive）：有如人體內的細胞，也像植物的嫩芽，短而小，卻明確帶一種節奏或音高組成形態，常是作品發展的根基，也有串聯不同樂句、樂章內容與精神的作用。如：貝多芬第五首交響曲一開始「短短短 長」的著名節奏，常被認為是「命運之神敲門」的動機，之後即應用它來做延伸、變化全曲。
旋律（Melody）：比起動機，旋律長得多，也較流暢，由一連串不同音高、節奏的音組成；音與音之間有可能跳進，也可能是相鄰幾個音一階一階級進，造成音樂中「空間」的變化。音串上下明確、動聽又易唱的旋律，比較容易被記住，而且上行的旋律常可展現衝刺、勇敢或快樂感覺，反之，下行者則表現嘆息、失望或結束的效果。
樂句（Sentence）：旋律、節奏經過拍號規範後，以小節線分組於譜上，形成一個個小節；；不少古典音樂中的小節數以4的倍數延伸，產生對稱的前後樂句，如8 + 8小節。但要注意的是，除了一些規律呈現的舞曲，古典音樂所能創造的狀態有無限可能，不能一貫地以小節數來判定樂句長短。像「爵士樂」中常看似即興不斷，演奏得天花亂墜、神乎奇技，其實為了與其他演出者配合以及完善傳達精神與語意，骨子裡仍有樂句的組織。
樂段（Period）：就像一篇文章有「起承轉合」不同段落，樂曲通常也由幾個「樂段」組合而成；多個相仿或相應的樂句，或者成組的前後樂句，經過規則性地串連、編排後，即成樂段。
二段體（Binary/Two-part form）：此曲式由二大樂段（A、B）構成，皆以完全終止式（五級到一級和弦）結束、各自反覆；二段素材可相仿，但也有大不相同、互相對比的作法。
三段體（Ternary form）：通常由ABA 三樂段構成，其中B也可叫Trio（可意指「三重奏」，在此則譯為中段），小步舞曲、進行曲、許多小品皆使用此曲式。
樂章（Movement）：連接數個關係緊密的樂段，即可形成帶某種總體速度或精神的「樂章」，而組織幾個樂章，則能再構成大型完整的作品，如奏鳴曲、交響曲；此類作品中，樂章之間看似各自獨立、風格不同，實則常在速度、調性、個性上互補，也可於動機、主題找到對應效果。
音樂科系有一門「聽寫」課（aural dictation），訓練學生辨別並記寫下所聽到的上述各種資訊，過程有點像辦公室秘書速記下老闆所言，但不同點在於：不可以用自己的符號或部分理解來註記，一定要用古典音樂慣用的記號，並在判斷及書寫的速度上自我要求，須需越來越快且正確無誤。如此一來，不斷開發個人對音樂可累積的記憶長度與深度，以求來日無樂器演奏、或只有譜時，仍能記住正確音高、自行哼唱出旋律；另一方面，又可增加正確記錄所聽到音樂的能力，以便在萬一無錄音、影視設備時，不光仰賴口傳、短暫記憶力，而仍能精確地當場記錄下所聽所學，此技能對音樂的發展及傳承至為重要。
當然，一般聆聽者不用如此辛苦地接受訓練，只要對上述的元素及原理儘量記住，那麼聽音樂或看到樂譜時，就不會老是一頭霧水，反而能多懂究竟在觀聽些什麼，日後也更方便去深入門道，增添對古典音樂的理解與喜愛。
音樂與一般「聲音」有什麼不同？
「聲音」，是由基音和多組不同頻率的泛音（overtone）結合而成的複合波物理現象，發聲體的材質、狀態一旦不同，則出現不同的音色（imbre）。
「音樂」，是聲音的一種，不過，並非所有的聲音都能算作音樂，或是可被當作音樂的元素。正如人類溝通用的「語言」，有拼音字母、音韻、文法等元素，西洋音樂理論也常提到，要有「節奏」、「音高」、「和聲」三個基本元素，理性又感性地變化與組織起來，才能產生「音樂」。也就是說，雷鳴、水流、鳥啼、蟲唧等等，有些文章雖美化稱呼他們為「天籟」、「美聲」，但實不足以稱為音樂。
簡單地說：「音樂」是一連串聲音經過特別組織，在唱奏時表現人類喜怒哀樂的情緒，為世界各文化民族皆有的文明行為或作品；如果特別強化了其中某種器樂音色或唱腔美感、節奏、速度動感、相關意涵等等，甚至可以成為該民族珍貴的「非物質」文化寶藏。
音樂究竟起自何時、何地？
一如探討人類文明的起源，沒有人能夠百分之百確切回答這個問題。許多有著古老文明紀錄的民族與國家，都自認在太古時期就有「音樂」，卻又拿不出實際資料佐證。；譬如，：看古埃及壁畫、古巴比倫樂器雕刻遺跡、聽希伯來禱告歌、研究印度經典記載的宗教咒曲、或中國祭拜用的樂器等等，各有先民遺物或文獻可供辨證，卻無人能完全有把握地複製文字或圖像中「正確」的音樂與樂器使用方法。
音樂起始的問題持續被思索著，許多說法都有其合理的論點，例如：生物學家說，音樂是人類求愛時，情不自禁發出動物般叫聲，而進一步產生有韻有詞的歌唱；經濟學家認為，古人勞動時，藉著重複相同動作，形成一種節奏模式來提升工作效率；也有哲學家提倡語言說，認為不同人說話時，不同的抑揚聲調引發人們創作曲調；仿自然說則聲稱，舉凡雷聲、地震引起物體震動、鳥鳴、水流撞擊石頭，皆能誘發人類模仿，繼而創造音樂；又或者，祭拜神靈時，一串串念咒形成了特別的拍感與音韻……等等。上述說法，各自掌握了音樂複雜面貌的一部分，的確都可能是啟發創作的因素。
總地來說，音樂並非出自單一根源，也不只朝一種方向發展；它是人類生理、感情的反應相結合後，受到大自然、各民族語文、傳說等影響，再透過複雜的演化，形成不同唱奏方式的多元性文化。
呈現音樂最原始的方式是「歌唱」。世界上各個民族都有自己獨特的歌謠，在日常生活或勞動時，人們為了集中心力、動作確切一致，自然地發出歌聲；婚喪喜慶場合中，喜悅或悲哀的情緒透過歌聲來傳達；為了治病、祈雨，祭師或族人會向神明祈求，一邊唱音調一邊擺動身體，再加族人用手打拍子，或腳踏節奏。之後，為了能夠產生更大聲響或更悅耳的聲音，人們敲打、搖晃或摩擦身邊的東西，如石頭、木塊及貝殼等，形成了打擊樂器。漸漸地，其他吹管、弦樂器也相繼被發明出來。
音樂對於人類有什麼益處？
無論是聆聽、彈奏、歌唱或創作，皆屬人類的基本能力與反應之一，而且，不管哪一種音樂，其實不須通過頭腦思考判別，就會自動飄入耳朵；如同語言，有種神奇的力量不知不覺地牽引著我們的情緒、精神及生活步調，或上或下、或強或弱、或快或慢。不過一般來說，能與大自然韻律、或當下人類的脈動及心跳應和，表達出真性情的音樂，最容易受到喜愛與重視。
若能主動學習唱歌或演奏樂器，在應用細部肌肉上，可突破原來的侷限、發揮潛能，而練習的同時，也能加強個人獨處的習慣，提昇提升專注力與記憶力。倘若不想唱或奏，也沒關係，因為光是聆賞歌詞內涵或唱奏者的精神，就可引發人們超越現實時空，想像出另一種意象，甚至，改變了個人的感覺與性情，十分有助於修身養性。
二十世紀新興的音樂相關學門中，「音樂治療」與醫學診斷作結合，充份分應用音樂來引導人的生理與心理，如：簡易學習彈撥某種樂器或唱歌，幫助肌肉活絡及有彈性；聽平和抒情的音樂，使人體氣血和順、抒壓，並得到慰藉；反之，聽較激動熱烈的曲子，可揚昇揚升意志，使精神轉為積極。
進一步看音樂欣賞活動，一如中國的「樂記」及諸多論述已提及，具有引發人們正向思索的社會教化作用，若團體或政府善於利用它，大可引導人心避惡、向善；同時，特殊的曲式及內容、表演型態設計等，除了能抒發性情或創意外，也會滿足人類對美感的無形渴求。
所以說，「音樂」能轉化物理性的聲音，無形地幫助人的生理運作，也提供心靈另一種時間感與空間感，功能不容忽視。
特別要提的是宗教音樂。世界主要宗教中，除了回教比較排斥音樂，像佛教、道教、基督教的儀式，都與音樂有一定的關聯；其中，歐美的宗教音樂通常直指基督教音樂，從早期純粹輔助儀式的功能，一路演進成高深的藝術，與其他宗教大不相同。
禮讚天主時，人們借助肅穆的聖歌唱誦，表現自己堅貞、熱切的信念，以及對超脫人世、歸向神靈的想望。教堂內多樣化的儀式音樂及激發虔誠信念的頌讚音樂，不斷在質與量上成長，且藉著教會左右人民與社會的力量，持續主宰或影響整個歐洲音樂的動向，直至十九世紀；早期音樂家、理論家幾乎都出自教會環境，而民間音樂的內容也深切地受到教會音樂影響。
「音樂」究其根底是用來被聆聽與欣賞的，除了純粹沾取它的娛樂性外，若能進一步學習，拓展想聽的曲目（repertoire）、曲式（musical form）、曲種（musical genre），就能產生更多元的態度與興趣；關掉音樂之後，不知不覺地，心胸自然也會變得較寬廣，性格更靈活。看來，音樂的確是文字閱讀外，另一種輔助人們心靈成長的好幫手呢！
為什麼聽流行音樂之外，最好也聽聽「古典音樂」？
「古典音樂」（Classical music）一詞有許多不同的解釋方式，其中最廣義的是，：經過長時間考驗，且藉不同方式在各國家民族中得以傳承下來的音樂。我們；以「古典」形容，是取其因為古老又足以成典型，對人心有安定或鼓舞作用之義。
不過，今日通稱的「古典音樂」主要指歐美根源於基督教會的音樂，自十五、十六世紀文藝復興時期積極發展至今，有「樂譜」流傳，且受人們褒貶過卻仍能留下的管弦樂曲、鋼琴曲、聲樂曲等等，有別於世界其他國家民族的傳統民俗音樂，或現代流行音樂。
相對於各國民間口傳音樂，「古典音樂」的世界通常需要三種人共同組成：
1) 一、花下一定時間長度，主觀、努力原創或巧心編曲的作曲家；
二、2) 客觀又主觀地賦予詮釋、有如「二度創作」的演唱或演奏家，甚至指揮家；
三、3) 客觀理解、欣賞的聆聽者，但也可能是主觀選擇欣賞種類、為自身製造記憶與品味的人，可算聯結三者關係最重要的一環。
以上三種人是古典音樂產生的動力，也是傳承、保存者，相互依存與影響，缺一不可。
與流行音樂作比較
一般大眾較常接觸、喜愛的，無疑是本國語言的流行音樂。這類音樂四處可聞，又能隨性播放、隨意聽聽，再加上科技化的影音、網路設備協助，以及現場演唱會的燈光音響變幻，常讓許多人產生「全世界只有流行音樂最發達，沒跟上就落伍了」的錯覺。
但是，真是如此嗎? ？除了流行音樂，其實可以有另一種特別的選擇！那就是一般人可能會莫名其妙不喜歡，但也可能不知不覺被吸引的「古典音樂」。
「古典音樂」從不以流行與否為重點，因此，不易隨波逐流或被時代淘汰，欣賞者自然也不用擔心跟上、或落後這種表象問題。相較於流行音樂，它非關種種機械操控的細節，而是更多複雜、精緻的「人」本身的因素牽扯其中；無論是創作、詮釋或欣賞的人，都要整合心跳及腦波，投注更多科學性的縝密思維來與音樂內容同步，對生、心理的考驗層次高出許多，引出的成就感也更明顯。
流行音樂中，較親民的常是短淺歌曲，其中重複音、類似音多，歌詞內容也繞著「你」、「我」的感情苦樂，或「我」自己受束縛、想掙脫……等小範圍打轉，彷彿一提及大自然或更廣大世界的人事，就會太沉重、太矯情。
相反地，古典音樂卻往往引我們向人世更豐富廣闊的一面，積極、長遠地想。它雖是發生一段時間就留不住的「時間藝術」，但同時，也是一種接收許多特別信息後，隨即能引發思索與想像，並擴展感受的奇妙「空間藝術」。若能置身或創造安靜的環境，定下心來好好欣賞古典音樂，便擁有了不同於一般日常生活的空間享受；透過豐富旋律及音色變化的刺激，思緒能飛翔、聯想，擴增了心靈空間，人可感覺更自由、更富有。
詮釋音樂時，流行音樂看重的是主唱者當下迸發的能量，及一時性的詮釋表現，以致於當下移調、改變音高與音長，是常態，詮釋者遠立於原作者之上；同台臺其他人多屬配角，聽眾也受鼓勵作直覺式反應，凡立即跟唱、肢體揮舞，或呻吟、激動嘶喊來表現當時被誘發的情緒，即代表「心領神悟」及支持。另外，流行音樂常以MV畫面、歌手形像設計，或強調「獨特」唱腔，甚至絢爛舞台臺布景、藝人特技表演等等來作宣傳，看來自由多變，但其實，往往在不覺中將聽者的視聽經驗及想法框限住，也混淆了音樂聆聽的單純本質。
相對地，古典音樂表演者通常不以奇裝異服引人注目，也不一定希望被觀眾的當場掌聲或同聲附和打斷，。加上，而因著為有「樂譜」的印行與專業閱讀、理解的要求，表演者更不會隨意改音調或歌詞來創造所謂的「個人風格」。換句話說，古典樂曲形式多樣，但各自傳承一定的基本風格、演奏習慣及美感意念，唱奏者會慎重、尊重地看待創作者的思維，而不是耗費心思在非音樂相關的事務上。另外，除了獨奏，古典樂曲通常講求台臺上演奏者彼此平衡音量與音色，結合眾力來發揮內涵，唱奏者與聽眾由此同樣培養、也享受著多層次的視聽效果。
當然，古典音樂也希望達到表演者與聽眾之間共鳴的奇妙狀態，但要開發的並不是表面或一時的效果，而是更希望鼓舞、感動人心深處；也就是說，在各自「支付」或「儲蓄」一些專注心力後，表演者與聽眾皆可體會數百年來作曲家想要呈現的意境，思索各種語言詩詞作家在字面外的深廣立意。這與流行音樂訴求的恁性發揮、隨情應和，並不相同，所跨越的時空更為廣闊，而理解力及想像力也須需更強大。
古典音樂永遠歡迎所有人，常常、日日去親近、聆賞或唱奏，領略其中的好處多多！
欣賞古典音樂可以培養耐心。修習一般學科，或許可以靠一時猛力背記，但是培養好的音樂品味，需要投入一定的時間與特別的心力，去聽、去辨別各種元素的發展，然後思考理解與記憶；惟有耐心經歷了「學習」與「認知」步驟，吸收抽象又饒富趣味的內容，才能讓生理、心理得到回饋。換句話說，聆賞古典音樂有如是對自己挑戰：願意耐心地深入開發智力及調節左右腦功能；去理解、控制自己的情感與理智、使二者和諧並行發展；養成長期擴展生命廣度與深度的習慣，讓生理及心靈的年齡保持年輕。
若能嘗試實際練習唱奏，更佳！──如此大可助益生理，如控制或延長呼吸、強化肌肉及神經反應、考驗使用力道的持續或精細度，又能加強腦力分析與記憶，或者耳朵對大小聲或音色變化的敏感度。而準備表演時，熟習或背下音樂內容會得到成就感，更會激盪或調整氣血、變化氣質，表現不同於本能或日常的自我，流通了內在精神，也享受音樂內涵對心靈豐富的回饋。
一起欣賞古典音樂吧！
說真的，喜愛音樂是人與生俱來的「天份分」，而欣賞古典音樂並沒有一定的路徑。只不過，建議先從聲樂曲「下海」，再聽器樂曲；歌詞較容易理解與引起共鳴，而且多數歌曲精短，能較快滿足聆賞的興致。「跨界」的合唱團可以是首選，如英國的「國王合唱團」、奧地利的「維也納少年合唱團」、專唱無伴奏的「史溫格歌手」、國內的「福爾摩沙合唱團」或「愛樂合唱團」等等，這些知名的合唱團演唱曲目廣泛，能唱高難度的古典經典作品，也傳唱各國民歌或流行改編曲，雅俗共賞。
下一步，不妨選擇戲劇張力較大的曲種，如歌劇、芭蕾舞劇，可邊觀看劇情變化，邊體會音樂如何相對高低起伏；然後，再聆賞其中某些歌唱家的其他錄音，看看他或她如何詮釋不同語言的歌劇選曲及藝術歌曲，也學習辨別不同唱腔的特色。接著，可從比較熟悉、或一直好奇的樂器名曲下手，如大提琴無伴奏曲、有標題的鋼琴小曲，或者，短而討喜的不同舞曲、弦樂小夜曲等等，從較抽象的器樂曲去認識一些曲式、曲種，在理論層面「攪和」一下，那麼，等到有時間去欣賞更大型的交響曲、協奏曲時，就不會那麼困難與遙不可及了。
在這些過程中，首要是肯「賞」自己接觸古典音樂的機會與信心，然後，再「送」自己一些耐心去反覆聆聽，就會漸入佳境。
每個人都有直覺式的聽覺辨別能力，如聽見生活中某種聲響、某人說話語調時，即從基本反應生出表層的喜惡感覺。然而，經由先前的討論，我們已經了解瞭解，聽古典音樂不宜老急著給評價、斷言喜愛或嫌惡。不妨投資一些心力，化被動接受為主動品玩，如閱讀雜誌、CD解說，或自己作一曲二版、甚至多版本的比較，看看不同唱奏者在速度變化、大小聲起伏、力度強弱上有何差異，以及辨別他們不同的音樂性各引領出什麼奇妙的詮釋，另外，更可找出同一曲改編給不同樂器的版本，聽聽看不同音效產生什麼異樣趣味。
當然，最好也最快的入門方式是親身前去現場音樂會，既可欣賞到實況演奏，又可當下觀察演出者的台臺風、神情、演奏技術所需的姿勢動作，感受其互動的默契。正如去電影院一樣，與全場成千上百人一齊呼吸、激動，或一同摒住呼吸，共享與共創特別的空氣振動與氛圍，那是生命中不可重複、或替代的美好經驗。
面對這個「忙、盲、茫」及越來越頻繁發生變故的社會，就讓自己握住一把開啟古典音樂世界的鑰匙吧！如果養成探索精神生活的習慣，敢增加對自己生、心理更深刻的認識與感受，再加上有次第地領會「古典音樂」的內涵，就能不時、長時地自得其樂；如此拓展自己不同面向的生命廣度及深度的同時，眾人常擔心的失智症與憂鬱症等文明病，相信也就自然遠離我們了！
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