〈主編序〉
王佩廸
每逢寒暑假，是動漫粉絲們傾巢而出的時節。除了中華動漫出版同業協進會分別在每年二月、八月前後主辦的台北國際動漫節和漫畫博覽會（簡稱漫博）這等大型商業展覽之外，大大小小的同人販售會也都趁著學生們放假，紛紛盛大舉行，其中時間悠久也最多參與人數的CWT（台灣同人誌販售會）和FF（開拓動漫祭），想必大家都耳熟能詳，而近年來其他同人活動的主辦單位也越來越多，除了有從學生社團起家踏進這產業的GJ（基階多媒體行銷工作室）之外，星石工作室所舉辦的動漫之力（In Comic Energy, ICE），以及發源自南台灣的Wing Stage動漫電玩創作展，也都展現了對同人這塊市場的發展野心。
除了綜合性的同人「大拜拜」之外，許多單一主題的ONLY場在這一兩年來也明顯增多，主題從單一類別（如百合、歐美影視、布袋戲）、單一作品（如排球少年、東方）、單一配對（如團兵、青黃、銀土）等皆可見之，顯示舉辦同人活動有越來越集中主題的趨勢，也可發現，現今在同人圈中，小眾市場其實不可小覷，往往是創作者和消費者的火力集中區。
在這本《動漫社會學》第二彈當中，我們就是要集中火力探討分析台灣的「同人文化」這個主題。
同人文化是動漫產業相當重要的一環，往往與商業出版發行的官方作品有著相當緊密的關係。同人誌，指的是「志同道合的同好們」所創作出來的作品，通常為紙本實體，然今日的數位科技，讓同人文化的空間更加地廣闊。
同人創作可分為「原創」與「二次創作（二創）」。其中，「二創」是指將商業作品進一步衍伸的同人創作，粉絲們將喜愛的官方作品，用自己的詮釋方式進行創作生產，並與他人交流；相對於二創，同人文化中的「原創」作品雖然比較少，但卻是相當具社會文化意義的一環，因為原創代表著創作者在創意展現、角色設定、議題探討與社會連結等項目上，都需展現出獨當一面、引領風潮的能力，而成功的原創通常也會轉向為商業出版的模式。由此可見，商業出版與同人文化，一直以來都是相輔相成的。
台灣的動漫市場一直都深受日本的影響，當然，同人文化的發展也不例外，因文化與地理位置的接近性，台灣在一九九○年前後即出現了同人創作的社團與刊物，從此，台灣大大小小、各式各樣的同人活動如雨後春筍般出現。在台灣漫畫界長期以來呈現斷層的狀態下，新一代的漫畫家很多都是從學校社團、同人社團，開始接觸到漫畫繪製、印刷、宣傳、進同人場賣作品等等的漫畫家養成過程。這樣的創作風氣，相當程度上鼓勵了許多人能夠表達自我想法、自由發揮創意，而且是在沒有保證成功、也沒有酬勞獎勵的狀況下，就有一大群人願意投入這件事情上。因此，同人文化可說是台灣文化創意的培養皿。
時至今日，台灣的同人活動已經具相當規模，大型活動每場至少會有兩千多個攤位展出，每個攤位新刊舊刊算起來，至少也會有數千本同人誌在場上販售著，而參觀或消費的人數更是以萬計數。當然，更不用提其他中小型的活動，少說也會有五十到上百個攤位參與，而且遍布於台灣各大城市，幾乎每個月都有活動。因此，想想看這些同人活動，到底存在著有多大的商機呢？
當然，大部分的同人社團是否能順利賣出自己的作品並回收成本，或許並不是他們參與的目的，真正的初衷當然是「對作品和角色的愛啊」。因為愛，他們可以日以繼夜、不眠不休地爆肝，就只為了在期限內將作品順利送印。他們也會透過網路平台宣傳，如噗浪、批踢踢和臉書，甚至有專門提供同人誌登錄的網路平台，讓作者和粉絲能充分分享資訊，作好活動前的各種準備。而在遠方或剛好有事抱憾無法參加的熱情粉絲們，也可以透過通販（網購）的方式取得喜愛作者的新刊。
其實，同人文化除了展現對動漫作品的愛之外，另一個很重要的要素就是「分享」，因此才會是由「一群」志同道合的人所組成，也因此作者和讀者才能基於分享對同樣作品的愛，進行創作與支持，而這些創作，並不只展現在紙本同人誌製作，同樣是一群志同道合的人，為了讓更多人能認識他們所喜愛的作品，會志願參與翻譯（在中國稱為漢化），製作影片字幕或漫畫譯文，讓即使不熟悉日文的人，也可以透過他們的翻譯，接觸到更多日本動漫畫。
數位科技更是大大地改變了動漫愛好者──或直接稱廣義的御宅族們──的行為模式。本來就已經非常積極且深入地與文本互動的御宅族，透過數位科技，更能夠輕易地下載文本，進行編輯、重製、元素重組，並將之挪用成為自己的創作。就如同Google Chrome當初曾經找虛擬歌手「初音未來」代言的形象廣告「Tell Your World」 ，PV的最後顯示：「Everyone, Creator」。是的，因為數位科技的進步，包括Web2.0，讓生產者與消費者的界線消失，每個人都可以輕易地成為創作者。因此，在網路上的同人世界，更是呈現百家爭鳴、資訊爆炸的狀況，當然更不用說其傳播的速度有多快了。
上述這些台灣的同人文化描述只能說是簡介，為了更詳細地說明與分析，在這本《動漫社會學》第二彈，以「同人文化」為主題，我們邀集了各方精采文章和訪談，從各個不同面向出發，試圖更清晰地呈現台灣的同人文化整體樣貌。
第一篇文章由動漫研究著名學者李衣雲老師的文章＜這就是愛＞展開，說明同人創作者為何而創作？並且分析同人創作，從個人與群體的層次上，分別具有甚麼樣的社會意涵。不過最重要的還是「這就是愛」的展現啊！因為愛，即使是「塑膠也是有重量的」！
若抽出愛的元素，同人創作還可以用甚麼角度去看待呢？Kimball就特別以「經濟面向」去剖析同人文化圈，以「通路」與「網路平台」區分為兩種不同的類別，分別去思考在這兩種類別中有何不同的創作與消費模式，以及彼此如何產生交集。有趣的是，「二創」在這兩種類別中都相當重要，卻又扮演著不同的角色。
第二單元則進入同人文化的歷史考據。見證了台灣同人發展將近三十載的Miyako，根據手邊珍藏的本子、研究資料，加上同好們的共同記憶，重新整理成文字，在〈台灣同人活動的轉變與特色〉這篇文章中，讓我們看到更多台灣同人文化發展的軌跡。而長期以來一直關注台灣動漫產業與同人文化的余曜成（綽號小魚）也在〈線上與線下都在燃燒〉一文中，為讀者剖析了從早期到現在，台灣的動漫同人從學校社團、同好團體，到網路社群出現之後的整個變化與發展。此外，百合作者兼研究者楊双子則在〈少女啊，要胸懷百合！〉文中，特別爬梳了台灣「百合」創作在整個同人文化圈裏頭的特殊性與發展歷程。
本書的第三單元，為讀者呈現的是同人文化中的異質性與多樣性。東方達人（同時也是LoveLive!達人）科科任，透過《東方Project》同人二創所展現的互動性與多樣面貌，讓讀者了解到同人創作的各種可能性，以及創意在結合數位科技後的同人影片，究竟可以夯到甚麼程度；女性向的同人創作者兼觀察者千翠，討論到「性轉」這個特殊的同人創作題材，分別以女性向創作中不同的「性轉」類別，逐一解說其中所呈現的性別意涵；此外，台灣首部BL搖滾音樂劇《新社員》則是阿橘特別關注的主題，她以《新社員》粉絲的同人創作與同人活動安排為例，展示同人創作可以如何從平面或網路媒介跨界到三次元的世界裡。
在這本書的每個單元後面，編輯群還特地安排了相關人物的訪談：從同人創作者A子身上，我們看到了創作同人的初衷與堅持；而在第二單元歷史考據的章節後面，更是安排了在台灣同人圈相當耳熟能詳，人稱謝哥、鄭先生，以及老闆娘的這些重量級人物訪談。而最後則是以GJ這群年輕創業者的訪談作結，試圖從他們的經營方針與觀察，去了解未來同人創作與粉絲文化可能的新趨勢。
雖然在同人文化當中，二創始終是個大宗，而本書也的確多集中於討論二創的發展與變化。不過，如果你對日本動漫或其他相關作品並不熟悉，你同樣可以在綜合性的同人販售會或標榜著「原創ONLY」 等場次中，發現到台灣創作者在「原創」的文化生產方面，同樣展現出源源不絕的創意與巧思，許多結合台灣社會現象、在地文化與人文風景等等的作品，例如：將台灣各大學「擬人化」之後的衍生故事、將在各地旅行的經驗以同人誌的方式分享、養寵物心得、在某職場的工作日誌、以台灣歷史或政治為背景的創作等等，這些原創同人作品，豐富了台灣的文化創意發展，有些作品甚至透過商業出版，讓更多大眾讀者認識，有機會在台灣或其他國家大放異彩。
如果你還沒接觸過台灣的同人文化，不妨找個周末 ，到附近的同人販售會逛一逛吧！
〈這就是愛──從迷與二次創作談起〉
李衣雲
現今，世界各地的動漫同人展蓬勃發展，日本的Comiket、美國的Comic-con入場人數動輒數十萬，台灣的CWT、FF每場也都有數萬人，寒暑假時更是上看十萬人，很難想像1975年第一場Comiket的入場人數只有600人，而台灣在90年代的同人展更是雖小卻不擁擠。
在這些會場上，除了排隊排得殺氣十足的大手攤位之外，總是會看到還有許許多多小攤位，沒有宣傳、不會招攬，攤位販售人默默地畫著自己的圖、或沉浸在社入時搶到的本子裡，堅守陣地，並不因乏人問津而提早退場。
會場外，扮成各種角色的COSER們，擺著角色著名的姿勢。問他們：「39度的氣溫，把自己封死在紙盒里不熱嗎？」──這位扮的是鋼彈，實在太像了，完全看不出是紙作的；「寒流來襲，露出絕對領域不冷嗎？」──其實太多角色符合這項描述了，不過這位是月光仙子──答案當然是會熱和會冷。
走在會場附近(包括方圓三公里內的車站)，類似以下的對話有如電波般不時竄入耳中：
「因為要寫本趕印，報告交不出來，被當了。」
「為了作這幾套科學小飛俠，我們五天五夜沒睡。」
「為了要出角，每天不能吃三餐以外的任何東西，保持身材。」
「繪師畫的根本不是能穿得上身體的樣式呀！為了一條腰帶，花了我N小時在研究和服。」
「前面排的那個人竟然還邊翻本邊考慮要不要買，結果最後一本被旁邊那排的人買走了！沒有事先作功課就來戰場，太可惡了！」
（以下族繁不及備載）
這些現象的製造者往往「其詞若有憾／怨焉，實則喜也」。然而，對這樣的狀況竟甘之如飴，絕不是因為他們是被虐狂，而是因為──愛。
同人誌這個名詞，原本指的是一群同好合資自費出版自己的作品。日本在明治時期的文學界，印刷術不像今日這麼普及又便宜，要找出版社出書很困難，要獨力出一本書也很難，所以同人誌這樣的產物就順勢而生。除了原創作品外，慢慢地也出現了自費出版的文學評論、漫畫評論，以及閱讀原作後衍生出來的二次創作 同人誌。隨著印刷費的下降，個人誌成了同人圈的主流。
所謂「誌」，指的是紙本，但在網路普及之後，要分享自己的作品不一定要花錢出版成冊，更不一定是用文字或圖畫表現，還可以剪接影音、製作遊戲或角色的配件、Ｑ版公仔，甚至將角色概念化作出代表色手環、飾品等，COSPLAY更是完整複製出角色的實像。從20世紀末以來，同人的概念已經脫離了「同人誌」的平面範疇，迷們的心血結晶，我將之通稱為同人作品。
要作出一個同人作品，花費的金錢與心力絕對不小，因為這個作品其實代表了迷們自我的表現。對消費者來說，選擇這個角色／商品而不是那個角色／商品的原因，從來都不只是客觀的，還包括了主體經驗的投注與詮釋，也就是P. 布爾迪厄所說的「品味」。品味的形成與我們在社會中所處的社會地位、生活經驗、價值觀、自我等息息相關。也因此，當我們在消費一樣文化商品時，也是在實踐自己的品味，而他人也把我們所展現出來的品味，當作理解我們的一個指標。
那麼，當一群人共同去想像、感受一個文本、一個角色、一個文化商品時，這些人彼此間容易產生親近感，甚至進一步形成同好團體。任何的團體的形成，成員間必然要有某種關連的存在，或許是利益、或許是感情、價值觀，讓成員們意識到原來「我們是一樣的」，也相信對方對自己具有同樣的想法，如此一來，一個團體才能夠穩定下來。尤其是當這個團體是以某種情感或價值為基礎時，彼此間更容易產生同情或同理心。舉例來說，在路上看到一個人跌倒了，你會去扶起他，這或許出於「我們都是人」的想法，但如果摔跌的是自己的同學、朋友、戀人、或是家人，你可能就不只是扶起他，還會對他的受傷感到心疼。這就是共同體的基礎。以二次創作來說，原作或角色對讀者提供了一種共同的價值或情感的對象，使得迷們能夠形成一個「我群」，並將「我們」與不是同好的「他們」區分開來。
這樣的「我群」對著迷有什麼幫助呢？舉個最簡單的例子，對所有經驗過同人圈的人來說，在連載休刊、出刊太慢、對劇情不滿(足)、喜愛的角色出場太少等等時候，迷們滿腔無處可去的熱情要到哪裡找著落？同人作品是最佳選項之一。有了同人作品，原作連載的兩個時間點之間，有了讓愛繼續的橋樑，不然，以《全職獵人》不定期長時間休刊的狀態，龐大讀者怎麼維繫對它的情感？要是實際生活裡的戀人，在這種狀態下，大概早因「感情不在」宣告分手了吧。
更進一步來說，當「我群」從創作與閱讀的互動，進入到會互相交談、討論劇情甚至實際的生活後，「我群」的凝聚力更滲入迷們的生活，即使對作品的愛有消退的跡像，往往也會努力挽留這份愛，因為它代表了屬於「我群」的標誌。
所以說，一個人挖坑大多比較淺，一群人一起挖坑，就會是要爬出來很難，要拖人下去很容易的深度了。
當然，這種熱情的延長也還是有時限的，畢竟沒有了原作，以原作為基底的二次創作無法存在，所以，一部作品完結後，以原作為共同價值的迷群與二創也會逐漸消散，2000年代在日本同人界紅極一時的《鋼之鍊金術師》，如今已是往事不可追，那些曾經敗家來的戰利品，也就成為迷們架上曾經愛過的紀念。
既然我們對於文化商品的消費，投射了自己的欲望與認同，某種程度上，這個文化商品就不只是一個單純的無機物，而已被「人類化」，成為我們理想自我的投射。
比如說，從物質的概念來看，說到底公仔不過就是塊塑膠，一塊塑膠掉在地上，不過就是沾點灰而已，稀罕嗎？但如果這塊塑膠長得跟《進擊的巨人》的兵長一樣…竟然讓利威爾吃灰？！！趕快撿起來給他拍拍，順便跟他說一下今日沒有好好照顧他的歉意。旁邊沒看過《進擊》的路人經過，大約覺得這個自言自語的傢伙有病需要被遠離，但萬一同樣是兵長迷，雖然不必然會走上前搭訕，但也一定會覺得還好兵長又被好好抱起來了。再或者在巧克力展示櫃前看見蝙蝠俠人偶在宣傳，立刻停下來拍照，臉上帶著詭異的微笑，臨走前不忘買一盒巧克力。至於旁邊那個綠巨人…什麼？旁邊有這個物體存在嗎？
這就是人類化或擬主體化。對迷們來說，自己喜愛的文化商品絕對不是一個冰冷的無機物，若非因為他們是自己的分身與表徵，誰願意在已經不算輕的包包上加諸如此多的吊飾？塑膠也是有重量的！
人在生命中不斷追求著意義，文化就是人們界定意義的展現與源頭—無論是所論的高級文化或大眾文化。因此，公仔也好，原作也好，二創也好，這些都是我們對自己存在意義的一種表現。
2014年日本出了一系列的動漫角色面膜，面膜設計成貼在臉上會呈現角色的臉，從《進擊的巨人》裡的巨人、《北斗神拳》的拳四郎，到多啦A夢和鋼鐵人皆陣列在前。為什麼選擇多啦A夢而不是鋼鐵人？因為對迷們來說，必須是這個角色才有意義。面膜初始的目的，是為了要讓臉部皮膚緊緻保溼，只是要用面膜的人，應該不會選擇印著拳四郎或巨人包裝的面膜，萬一用了以後膚質變得跟他們一樣呢？！但是迷們不在意。他們選擇這個而不是那個包裝的面膜，是因為唯有這部而非那部作品乃至角色對他們才有意義，重要的不在實用，而在投射了自身意義的符號價值。
於是，當我們喜愛的文化商品被別人嫌棄時，會讓我們產生整個人格都被否定了的感覺，而我們也會努力地將自己的愛推薦給別人，因為他人對這些文化商品的認可，就等於認同了我們的品味與自我。這也是動漫在台灣的1990年代前，受到政治乃至主流社會的壓制，依然能夠草根地活下來的原因之一。
迷們像這樣積極地推坑、二創，來滿足自己的不滿足，源起於對文化作品的愛。為什麼說是愛？因為愛在某種程度上超越了理性計算，甚至具備了獻身性。
在現代社會裡，作什麼事情多半都會落在貨幣交換的計算裡。但是，當一個人三天三夜不睡就為了出本趕同人展，不只沒稿費，還要交參展報名費，更不要說當天擺攤是無薪的，更有可能擺了一天攤只賣出幾本，如果拿這些時間去麥當勞打工，荷包大約也有數千元進帳，但應該不會有迷們說：「早知道就拿這時間去打工了。」(如果說了，應該會被「我群」以「破壞愛的神聖性」之名逐出群體。)就算萬一因此沒去上課沒交報告被老師當了，怪罪的對象也不會是那個愛的對象。
這就是超越了理性計算的愛的力量。
迷的獻身性在二次元的作品與角色上更能突顯出來。因為基本上，真人的偶像會結婚、會解散、會改變或不長進，即使迷知道他／她永遠不可能回應，但對方既是真實存在的人，迷們仍然會抱持著一絲期待與幻想，會希望自己的付出能得到回報。但二次元不同，角色們既真又幻，是迷們碰觸不到的存在，沒有期待，也就不會計算彼此的付出是否等量。當然，這裡說的獻身絕不是指偶像迷們荷包出的血會比較少，也不是指付出的愛比較少，事實上，在日本，傑尼斯與寶塚迷裡有著明顯的階級排序，要能見到偶像，還得服從迷團體中的年功序列，箇中甘苦，只有熱愛中的迷們才知道吧。
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