[連載01]
一個用相機來講故事的人
在攝影不斷增生出各種現代形式之後，我才意識到自己過去一直在做的事，是講故事。並非所有工作都會牽涉到故事，有些是封面或單幅影像的拍攝，但絕大多數的時候都是。當時，我不會使用講故事這種說法，在我記憶中，我認識的人也都不會這樣說。我們只是單純地這樣做，或者渴望以這種方式去做。我的攝影生涯以從事專題攝影為主，大部分專題工作都容許我們去探索題材的不同面向，以各種角度來呈現，並且運用視覺語言去描述。這些專題工作有長期的也有短期的；從一天（這樣的案子並不多）到好幾個月的時間都有（奇怪的是，我做過
好幾個長期性的案子，可能是因為我樂在其中的緣故）。
自然而然地，它變成了我最熟悉的拍攝方式，然而直到最近，我才發現同事們會說出「我是一個用相機來講故事的人」這種話。我自己也是直到最近才開始使用這種說法。這必須追溯到攝影領域中發生的改變。攝影敘事、影像故事̶無論你怎麼稱呼，它所指的其實就是雜誌專題報導文化的一部分。它是《生活》雜誌、《國家地理雜誌》、《德國地理雜誌》、《史密森尼（Smithsonian）》、《巴黎競賽（Paris Match）》及《年代（Epoca）》等雜誌之精髓所在。不管怎麼看，雜誌的世界都還不算滅亡，然而它也不再能像過去那樣掌控著公眾的注意。
印刷品—雖然我仍很愛它—已經邁入了漫長而緩慢的衰退過程。這樣說聽起來可能很怪，畢竟這本書就是個印刷品。既然我說「緩慢」，就真的是表示非常慢的意思。無論如何，如今很明顯地是螢幕掌權。所造成的後果是，過去那種依照層級做事的方式正在消失當中，並且逐漸被一個更具獨立性的世界所取代。人們想怎麼拍照都可以，而且既然有數百萬人在從事攝影行為，各種類型的興趣都有足夠的團體力量來支持，無論是iPhone攝影、感性訴求、人道主義的攝影，或攝影串聯（collaborative photography）。新發明持續地出現是件令人欣喜的事，也因而使得定義攝影多了一點點必要性。有一種本身會不斷重新定義的攝影形式，那就是講故事；對我們之中很多人而言，這就是經典的、必要的、純粹的攝影形式。新入行的攝影師會將精力注入於創造整套風格連貫的作品，這種心情是完全可以理解的。然而在攝影領域中，很少有比完整呈現出一個故事更具有連貫性的創作方式了。這即是本書的重點之所在。
自行尋找題材的專題攝影是個新興領域。雖然沒有專業雜誌攝影師賴以為生的經濟資助，但也並非不可能做到。同時，自創專題攝影也提供了新的自由，讓你可以選擇拍攝主題，並且完全照自己的意思拍。對於許多專業攝影師或攝影編輯人員來說，日子也許不如從前好過，但是對於其他人而言，專題攝影的世界，也就是藉由影像進行各種敘事以及述說故事的世界，終於對所有人打開了大門。
[連載02]
「專題攝影」所帶來的嶄新發展
專題攝影（photo essay）一詞，現在看來也許不陌生，在當初其實是刻意創造出來的。它首次出現於1937年《生活》雜誌替自己打的廣告中；這則廣告提倡的是，將影像故事作為一種更為先進的形式，而不再只是單純的圖片集。它聲稱相機「描繪世界的方式能夠與十七世紀的散文家或二十世紀的專欄作家相抗衡」。其中還刊登了阿弗雷德．艾森士塔特（Alfred Eisenstaedt）拍攝法薩爾大學的影像故事作為範例；根據《生活》雜誌的結論，「這一篇影像故事為這一所大學所製造的印象，就如同約瑟夫• 艾迪生（Joseph Addison）筆下的千言萬語，既能表達出個人觀點，又具有普世意義。」這種觀點確實頗具野心。
《生活》雜誌也許比其他雜誌更專注於開創這種形式，但它絕對不是這類攝影的唯一媒介。在1930年代、1940年代及1950年代的關鍵年份中，其他附插圖的雜誌還包括了美國《看（Look）》雜誌（自1937年起發行）、英國《畫報（Picture Post）》雜誌（1938年）、法國《巴黎競賽》雜誌（1949年）及義大利《年代》雜誌（1950年）。在接下來的內容中我們將會看到，促成這種現象的主要原因是新型相機的出現，以及因其衍生的新穎風格̶快速的抓拍攝影（candid photography），次要原因則是德國一些走在前端的畫報。到了1930年代中期，大西洋兩岸的出版商皆意識到公眾渴望藉由相片來見證世界性的事件。不僅如此，編輯們發現可以利用這個好機會來創新出版的形式。如今，他們能夠以更有力而細膩的方式來控制出版的內容；從編排的角度而言，系列影像可以傳達比單幅影像更豐富的訊息。藉由深思熟慮的挑選及編排，一組相片便可以被轉化成一個具有連貫意義的故事。同時，編輯團隊也能擁有更大的掌控權。對編輯而言，這種觀點很有吸引力，然
而這也意味著攝影師與編輯之間有著永不落幕的衝突。攝影師通常希望他們最愛的那些影像作品能獲得更好的待遇及更大的空間，但是編輯及版面設計師則想要更適於編排的相片。
看圖說故事（picture story）和專題攝影之間有著微妙的區別。以前者而言，相片可以取自多種來源，理論上這表示編輯可以用很高的視覺標準去挑選影像，也可以獲得多樣化的視覺效果。另一方面，這也讓影像編輯擁有更穩固的主控權。然而，專題攝影這個詞彙所指的是具有單一性的視野，也就是特定一位攝影師以一致的風格去拍攝的作品。集結影像而成的圖片故事相當常見於旅遊雜誌，但這種「多樣性」需要具敏感度和自制力的處理，才不至於在視覺上使人生厭。舉例而言，如果將不同的人所拍攝的數張高彩度影像全部一起展示出來，看起來可能會顯得繁雜刺眼。
不難理解的是，攝影師總是要強調專題攝影的作者權。沒有人喜歡跟競爭對手共享舞台，因此，攝影師對整個故事的所有權，也代表了他或她在藝術上取得成功的可能性。
[連載03]
影像的「編輯」與「展示」
創作故事尚有兩個步驟：一是編輯拍下的影像，二是將其展示於觀眾面前。不過因為這兩個步驟是如此密切相連，我認為將它們一併探討更有價值。正如我們剛才所看到的，如果攝影的目的是為了要述說故事，那麼過程中必然會先預測所有相片結合在一起的樣子，編輯也是一樣的道理，在過程中就得預想成品的樣貌，無論呈現的形式是頁面或是螢幕。同等重要地，藉由版面編排或投影片製作將影像組織成一個故事時，經常需要退一步審視是否需要重新編輯或另尋影像。
既然編輯工作是非常個人化的，又帶點手工藝的色彩（雖然稱不太上是藝術），那麼存在著各式各樣的編輯手法一點也不令人感到奇怪。此外，編輯手法因人而異。對業界人士而言，最大的差異主要區分成攝影師的編輯版本與設計師的編輯版本（這兩種工作又分別稱作攝影編輯及美術設計）。我們攝影師需要編輯的原因在於拍攝的作品量多於最後刊出的作品量，而實際上在拍攝時，也是抱著之後可以再自行挑出最佳作品的心態。另一方面，設計師則是為了版面的整體呈現
效果而編輯影像。有時兩方作業是分開、無交集的̶更重要的是，要能做到不互相干涉；有時候則會出現衝突。有出版經驗的攝影師將會很快地而且不太開心地了解到，終究只有那些被選中的相片，以及最後排版呈現的方式，才真正具有重要性。失望與爭執是常有的事。許多攝影師到頭來會想把所有事情都攬起來自己做，以獲得主控權，但事實上好的設計師對攝影師能有所幫助，正如好的攝影師對設計師亦有助益。透過螢幕展示，攝影迅速地遍及網路世界，而身為攝影師的我們逐漸察覺，發表自己拍攝及編輯的影像作品是一件愈來愈容易的事。就如同處理其它事情時一樣，我們許願時要很小心，因為期望最後很有可能會成真。
在攝影的當下，我們如同是「親身體驗」著所拍攝的影像，因此很自然地會將這些影像視為是生命當下的一部分，對於他人（觀者）而言，影像則被視為是展示整體的一部分，無論展示的平台是雜誌、書籍上、還是展覽館牆上，或者是投影片。這聽起來似乎很理所當然，但是這麼一想的話，拍攝之後所進行的所有作業就顯得更重要了。編輯，還有特別是版面的呈現，都決定著影像將如何被接收與解讀。我用「展示」這兩個字，是由於影像敘事的世界正在改變，螢幕漸漸地取代了紙張的主宰地位。投影片因為挪用了電影及錄像技術而擁有各種創作的可能性，再加上其形式本身的線性限制，我們將會發現，它與印刷品的靜態影像呈現，可說是截然不同的。
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